美在中国——中国书画作品系列展（一）

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《中国艺术报》《环球艺术网》《中国艺术新闻网》

序

在奋进新征程、建功新时代的伟大时代浪潮中，文艺肩负着独特而重要的使命。

赓续中华文脉，是文艺作品拥有恒久活力的根基。中华民族悠久的历史和灿烂的文化，为文艺创作提供了源源不断的滋养。只有扎根于这片深厚的文化土壤，作品才能具有强大的生命力。同时，勇于创新创造，则是文艺百花绽放出更加绚丽光彩的关键。在新时代，要让中华优秀传统文化成为文艺创新的重要源泉，把艺术创造力和中华文化价值紧密融合，将中华美学精神与当代审美追求有机结合，以独具魅力的 “中国风” 有力彰显中国人民的文化主体性。

新时代新征程上，中国式现代化正以前所未有的磅礴力量，推动中华文明重焕荣光。广大文艺创作者应巧妙地把中华美学精神融入创作之中，使新时代的思想内涵与中华美学精神的艺术表达相得益彰，以强大的艺术生命力和文化活力充分展现中华审美风范。坚守中华文化立场、传承中华文化基因，是我们义不容辞的责任。在文艺创作过程中，我们要做到古为今用、洋为中用，辩证取舍、推陈出新，“以古人之规矩，开自己之生面”。通过对传统文化的深入挖掘与创新转化，以及对世界优秀文化的借鉴吸收，创作出更多具有中国特色、中国风格、中国气派的优秀文艺作品。

作品欣赏 

《绿荷图》

黄永玉（1924年—2023年）

138×68cm

软片·设色纸本

款识：辛巳黄永玉画于万荷堂

印文：黄

黄永玉的荷花画作以其独特的风格和神韵著称，‌融合了传统与现代元素，‌展现了一种绚丽灿烂的气质。‌黄永玉的荷花画作在艺术界有着独特的地位，‌他的画作不仅数量众多，‌而且风格独特，‌神韵盎然。‌

他的画荷作品不仅反映了他的个人情感和艺术追求，‌也体现了他对传统文化的深刻理解和创新。‌黄永玉的荷花画作中，‌荷花不再是传统文人画中那种清高、‌出世的感觉，‌而是以一种绚丽、‌灿烂的气质出现在画面上。‌这种风格的转变，‌使得他的荷花画作在视觉上更加吸引人，‌情感表达上也更加丰富。‌

黄永玉的荷花画作在构图上随意中见匠心，‌他运用油画、‌版画、‌插画的笔法来渲染荷花的神韵，‌而不是过分追求形似。‌这种处理方式使得他的画作既有传统绘画的韵味，‌又不失现代艺术的创新。‌

此外，‌黄永玉在色彩运用上也别具一格，‌他的画荷作品色彩斑斓，‌主体突出，‌给人一种厚重而有力的感觉。‌黄永玉与荷花的结缘可以追溯到他的童年时期，‌当时他经常在外婆家的荷塘边观察荷花，‌这种经历对他的艺术创作产生了深远的影响。‌

他的画荷作品不仅是对荷花美的赞美，‌也是对生命力的歌颂。‌在逆境中，‌荷花那种出淤泥而不染的精神成为了他启迪心智的精神支撑，‌这种精神也体现在他的画作中。‌

黄永玉的荷花画作以其独特的风格和深刻的内涵，‌在中国画坛占有一席之地。‌他的画作不仅展示了荷花的美丽，‌也传达了他对生活的热爱和对艺术的执着追求。

《铁骨冰魂》

于希宁（1913年—2007年）

65×59cm

镜心·设色纸本

款识：希宁于劲松寒梅之居又题

印文：希宁 于希宁鈢

于希宁曾用“才德勤修养，三魂共一心”来总结自己的艺术观和人生观，强调国魂、画魂、人魂的统一。虽然简短的一句话，却包含了艺术家艺术人生的深刻领悟和艺术境界的自我要求。

从于希宁的艺术实践来看，其所坚持的“三魂共一心”的座右铭包含了丰富、具体而又深刻的意义，这事实上是一个画家与社会、自然及艺术之间辩证关系的综合体。既包含了画家对于家国天下的高度责任心及道德关怀，也包含了花鸟画中“天人合一”的情思与哲学境界，又包含了艺术家个体的自我提升。

当人魂寓于国魂时，于希宁作为跨越整个20世纪的艺术家而言，在经历了不同时代的迷茫、困惑、奋进、欣喜等等之后，始终能紧随整个社会的脉搏，做出合理的选择与判断。当画魂寓于国魂时，在关乎中国画学传统的基础上，注重笔墨语言与形式因素的创造性。特别是他从梅花题材入手，完成了新时代铁骨精神的塑造与积极、蓬勃思想内容的表现。

当人魂与画魂相结合时，作为花鸟画家的于希宁以独特而鲜活的生命意识和情感的渗透，使得他与客观对象达成了“心灵化物”的同构关系，成为“外师造化，中得心源”的完美体现。因此，国魂、画魂、人魂三者的辩证关系正是于希宁在整个时代精神的感召下，通过自我修养的提升与道德人格的要求，以梅为载体完成的花鸟画创新。

《雄风》

汤文选 （1925年—2009年）

62×58cm

立轴·水墨纸本

款识：壬申五月文选

印文：汤 文选

汤文选是一位杰出的中国画艺术家和美术教育家，‌以其水墨画虎而闻名。‌他的画作不仅展现了老虎的生动形象和奇妙神韵，‌更重要的是，‌通过老虎的形象表达了他对人生、‌自然和社会的深刻感悟。‌汤文选的水墨画虎，‌不仅仅是技术的展现，‌更是情感的流露，‌他通过老虎这一动物形象，‌传达了自己对于生命、‌自然和社会的独到见解和深厚情感。

在艺术表现上，‌汤文选的水墨画虎突破了传统画法的局限，‌以超常的想象力和创造力，‌营造了一个天人合一、‌慈悲为怀、‌威震山岳、‌大气磅礴的拟人化老虎世界。‌他通过墨色的浓淡干湿，‌以及笔触的轻重缓急，‌展现了老虎的精神气质和内在情感，‌使得他的画作既有强烈的视觉冲击力，‌又蕴含深厚的文化意蕴和人文关怀。

汤文选的画虎作品，‌不仅仅是对于动物形态的描绘，‌更是对于生命本质的探索和对于人性美好的追求。‌他通过老虎的形象，‌表达了对生命本性的赞美和对人性美好的追求。‌在他的作品中，‌老虎不再是单纯的猛兽形象，‌而是成为了传递爱与关怀、‌善意与勇气的象征。‌这种将个人情感与艺术创作相结合的方式，‌使得汤文选的水墨画虎具有了超越时代的意义和价值。

汤文选的水墨画虎不仅是中国画坛的一大贡献，‌更是艺术家个人情感与艺术技巧完美结合的典范。‌他的作品通过对老虎形象的独特诠释，‌传达了对于生命、‌自然和社会的深刻理解和情感体验，‌为中国水墨画的发展注入了新的活力，‌也为后人留下了宝贵的精神财富。

《诚无垢》

张仃（1917年—2010年）

82×54cm

立轴·水墨纸本

款识：九六年盛夏图之它山张仃于京华并记

印文：它山 张仃之印

张仃的焦墨山水画以其独特的艺术风格和深厚的文化底蕴，‌在中国画坛上独树一帜。‌

张仃的焦墨山水画不仅是对传统的尊重和回归，‌更是在传统基础上进行的反叛和批判。‌他的作品从古人的远离人间烟火、‌远离大自然，‌转变为亲近大自然、‌切近生活，‌展现了一种形而上的淡泊意境，‌同时又具有形而下的具体性，‌总体感觉高雅淡泊。‌

他的画作在北方山水中找出了山的生气和灵气，‌解决了从写生、‌速写到创作的问题，‌是完整的再创作。‌张仃的焦墨山水创造具有很高的美学品格，‌充满力度和乐观，‌有些画作读来如入音乐之境，‌使感情得到抚慰和升华。‌

他的画作刚柔互衬，‌干湿相生，‌燥中含润，‌充分发挥焦墨的效能、‌特色，‌表现了雄秀苍郁、‌浑厚博大的河山气势。‌无论是山峦、‌岩石还是树丛、‌瀑布等元素，‌张仃都有自己独特的表现方法，‌创造了鲜明的独特风格。‌

张仃的艺术生涯跨越了多个领域，‌包括漫画、‌壁画、‌邮票设计、‌年画、‌宣传画等。‌他的创作多以焦墨作山水，‌倚重传统笔法，‌吸取民间艺术养分，‌笔力遒强，‌构图豪放，‌画面空灵而有笔触，‌苍健却显腴润，‌内涵沉雄，‌风格朴拙而雄强，‌别树一帜。‌焦墨在中国画领域曲高和寡，‌但张仃坚持用这局限性极大的墨法创作山水，‌并将其发展成一套完备的艺术语言，‌开创了中国山水画的崭新风格。‌

张仃被誉为中国20世纪的大美术家和美术“立交桥”，‌他的艺术生涯跨越了多个领域，‌从设计到绘画，‌都展现了他对艺术的热爱和追求。‌他的焦墨山水画不仅是对传统的继承和发展，‌更是对现代艺术的创新和贡献。

《玉骨冰肌耐岁寒 》

陈半丁 （1876年—1970年）

136×34 cm

立轴·设色纸本

款识：半丁老人

印文：陈半丁印

陈半丁自幼喜爱诗文书画，一生勤奋笔耕，集诗、书、画、印于一身，与齐白石并称“京津画派领军人物”。

陈半丁善画花卉、山水和人物，尤其擅画梅花。受蒲华苍古秀润、任伯年老辣苍劲的绘画风格影响，笔力沉稳，笔墨清逸，画中自有一股古朴敦厚、清雅浑穆之气。他笔下的梅花多以写意为主。他画花瓣，或双勾填色，或直接点厾晕染，笔墨生动，勾染结合，增强了画面的层次感。他的作品，多以诗入画，书法用笔，诗书画印，相得益彰，既雅俗共赏，又有一种浓浓的文人画的韵味。

陈半丁成名较早，上个世纪初就驰名北方画坛。他擅长山水、花卉，尤以花鸟画造诣最高。他早年结识任伯年、吴昌硕，后来向吴昌硕学习书画篆刻，并得到了吴昌硕的亲传。到他四十岁时，作品已经颇得自己的特色。他的作品融明、清各家花卉技法之长，以洗练、概括的笔墨和古朴沉着的色彩来表现花卉鸟兽。他用笔苍劲，力量感强烈，构图稳中出险，善于将诗书画印有机地统一在画幅之中。

这幅红梅图骨法与墨法并重，以笔头展浓墨，笔腹用赭色，将赭、墨稍加调整，侧锋入笔，行笔顿挫转折，在近梅顶端时转为中锋。这样画出的主枝色墨交融，既表现出梅枝虬曲粗糙的质感，又似乎带有一定的光感。浅红醉粉点虱花瓣，淡绿色画花心、剔须、点蕊。胭脂色点花蒂，淡绿色点叶片，浓墨勾叶筋、点苔。画面中梅花以盛放为多，半开或蓓蕾较少，加之淡绿色的叶片，暗示此梅已进入花期尾声，早春的寒意即将退去。全图以灰色、浅红为主色调，辅以花蕊和叶片的小面积绿色，即清新雅致又色彩丰富。全图变金石派的古拙厚重为儒雅清癯。从梅枝造型和用笔的顿挫可窥见对梅花的取法。

他的梅花画多以写意为主，通过双钩填色或直接点厾晕染的技法，使得每一笔都充满了生命力。陈半丁的画作不仅色彩艳丽，而且在继承传统的基础上融入了自身的书法和行书风格，使得画面更加灵动清秀，富有文人画的韵味。

陈半丁的梅花画是一种高尚的艺术表达，他在每一幅作品中都巧妙地融入了自己的情感和思想，使观者能够感受到画中的梅花不仅在寒冬中傲然绽放，更在笔墨间流露出一种不屈的精神。这些作品不仅具有很高的艺术价值，也寄寓了深刻的文化内涵。

《<玉阶怨>》李白

范曾（1938年—）138×68cm

软片·水墨纸本

款识：己丑年仲夏抱冲斋主范曾

印文：江东范曾之印

范曾的书法作品以其独特的风格和个性著称。他的书法脱胎于传统书法，下过碑帖的功夫，例如《孔器碑》、《魏张黑女碑》等‌。他的书法作品辨识度很高，具有鲜明的个性风格‌。范曾的书法追求“清新俊逸”的美学境界，他自评自己的书法“清新庾开府，俊逸鲍参军”‌。他早年曾学郭沫若，也钟情于法帖，但他的书法风格独特，难以归结于某一具体法帖的影响‌。

范曾其书法有独特的韵味，笔力雄健，自成一体。但也有批评声音指出，范曾的书法可能欠缺传统书法的扎实基础，结字严谨度不足，未见严格的临帖功夫，过于个性化的表现手法难以获得广泛的认同和模仿，甚至有人将他的书法命名为“静脉曲张体”。

他在书法创作中融入了自己的个性和创意，对传统书法进行了一定的创新和发展。其作品在一定程度上反映了当代社会文化背景下书法发展的一种新趋势。

除此之外，范曾还说：“戊寅年始悟书法用笔最忌妄生圭角，空作抖擞。读唐人碑，又感法度深严，抑性舍灵，乃幻变古规，自造家法，自信不轻让褚虞。世之书界笨伯，读此必大怒云。”

范曾的书法作品在市场上非常受欢迎，价格不菲。然而，市场价值并不完全等同于艺术水准。书画作品的价格还受到创作者的知名度、市场的供求关系、资本运作等多种因素的影响‌。尽管如此，范曾的艺术成就和在书画市场的地位仍然不可忽视。

《奕秋课徒》

范曾（1938年—）

69×69cm

镜心·设色纸本

款识：岁甲申抱冲斋江东范曾

印文：十翼 抱冲斋主 范曾长寿

范曾在他的笔下，没有我们通常能在传统国画或书法中能品味到的“古韵”或“古意”的东西。如果说有，大约就是人物画上的那件草草而成的古代服饰。但这样人物画，我们充其量只能称之为“古装人物画”，人物造型极像当今影视作品中的角色。

“纷吾既有此内美兮，又重之以修能。”这是范曾先生在央视节目中对着亿万观众背诵过的屈原名篇《离骚》中的句子。它要求我们内外兼修，品格与能力并重。古典精神是一种内在的智慧，它不着一笔，尽得风流。所以，中国绘画崇尚“内美”。正如范曾所云：“庄子说：‘天地有大美而不言’，而这大美深藏不露，也许，她在人类智慧所可能达到范围内，偶尔一现她的卓约、她的美焕。

——（范曾《科学和艺术——两片水域》）

深沉、静谧、简洁、清雅、纯粹、含蓄，这是中国的高贵古典文化精神，正因为如此，才有了无限丰富的内涵，令人们在百转千回，回味无穷，从遥远的古代直至现今。这也正是范曾最为佩服的八大山人的绘画精神：绚烂源于平淡，丰富来自简约。

范曾的笔触，时而细腻婉转如春日里轻拂柳丝的微风，勾勒出山川的灵秀与人物的传神，令人赞叹不已；时而豪放不羁如夏日狂风暴雨中的惊雷，挥洒出磅礴的气势与壮阔的情怀，震撼人心。他的色彩运用，既古朴典雅，散发着历史的沉香，又不失现代气息，闪烁着时尚的光芒，将传统与现代巧妙地交织在一起，展现出一种超凡脱俗、别具一格的艺术风貌。

在他的国画中，人物栩栩如生，形态各异，无论是仙风道骨的古代圣贤雅士，还是淳朴善良的现代平民百姓，都被他刻画得惟妙惟肖、跃然纸上，仿佛随时都能从画中走出来，与你我共话桑麻。而那些山水之作，更是将大自然的鬼斧神工展现得入木三分、淋漓尽致，让人仿佛置身于那云雾缭绕、如诗如画的仙境之中，流连忘返。

范曾的艺术成就和争议反映了艺术界对艺术家道德品质、创作诚意等方面的高度关注与期待。尽管他在艺术创作上展现了卓越的贡献，但围绕他的诸多争议也促使人们更加客观、全面地看待艺术家的作品和行为‌。

《劲节清风》

董寿平（1904年—1997年）

直径46厘米

立轴·水墨纸本

款识：寿平写

印文：董寿平 寿平书画

董寿平的墨竹画以其卓越的绘画技艺和独特的艺术风格而著称。‌董寿平在画竹时，笔法矫健，纵横驰骋，一气呵成。他通常先用浓墨迅速勾勒出数丛竹叶，待墨迹稍干后，再以淡墨描绘竹竿。在画竿时，他巧妙地在笔端控制水分，使一侧墨色稍重，另一侧稍轻，从而一笔勾勒出竹竿的圆润形态，立体感十足。而在描绘嫩枝时，他的笔触显得富有弹性，既纤细又不失力度，既柔软又不失刚强，彰显出他遒劲的笔力和精湛的技艺。无论是近观还是远眺，整幅作品都显得穿插有序，大气磅礴，墨色交融，章法井然。

董寿平笔下的竹子，生动展现了其在风、晴、雨、雪中的多变姿态。风中的竹子，随风轻摇，身姿婀娜，仿佛在翩然起舞；晴日里的竹子，枝叶高耸，错落有致，透出一股生机勃勃的气息；雨中的竹子，枝梢低垂，叶片向下，透出一股苍翠欲滴的生机；而雪中的竹子，则更显坚韧，即使枝叶被雪压弯，也依然挺立，彰显出其傲雪不屈的精神。

董寿平笔下的竹子，不仅以其多变姿态吸引人，更在名家眼中蕴含着独特的艺术魅力。启功先生曾这样评价道：“我常在董老的墨竹作品前细细观赏，发现他画的每一枝一叶都仿佛书法的精妙点划，而整幅作品却宛如一片生机勃勃的竹林。董老真正擅长的是将书法艺术融入绘画之中，他的作品更像是在书写竹子，而非单纯描绘。”这种独特的创作方式，不仅展现了竹子的阳刚之美，更使每一幅作品都充满了活力与生命力。

董寿平在描绘墨竹时，行笔迅速，纵横自如，一气呵成。他巧妙地在笔端控制水分，使得竹竿的圆形轮廓自然显现，立体感十足。在描绘嫩枝时，笔触富有弹性，既纤细又不失力度，展现了遒劲的笔力和精湛的绘画技艺‌。无论是近观还是远眺，都能感受到其作品的穿插有序与大气凛然，墨色淋漓尽致，章法布局自然和谐‌。

董寿平的墨竹画不仅在技法上独树一帜，还在艺术理念上有深刻的探索。他将自己的书法艺术融入绘画之中，使得每一枝一叶都如同书法中的一笔一划，整幅作品宛如一片生机盎然的竹林‌。他的作品不仅展现了竹子的阳刚之美，还通过变形处理和抽象艺术的尝试，追求前无古人的艺术境界‌。

此外，董寿平的墨竹画在墨色运用上也独具匠心。他运用浓淡不同的墨色，使得画面既有深度又不失清晰度。这种处理方式使得他的作品在整体风格上达到了高度的统一，给人一种既和谐又美观的视觉享受‌。

董寿平在描绘画中的墨竹时，展现出了卓越的绘画技艺。他行笔迅速，纵横自如，一气呵成地完成每一幅作品。在画竹叶时，董老通常先运用浓墨勾勒出数丛竹叶，稍待墨迹干透，再以淡墨勾勒竹竿。在画竿的过程中，他巧妙地在笔端控制水分，使得一侧墨色稍重，另一侧稍轻，从而一笔下去，竹竿的圆形轮廓自然显现，立体感十足。而描绘嫩枝时，他的笔触显得富有弹性，既纤细又不失力度，既柔软又不失刚强，充分展现了遒劲的笔力和精湛的绘画技艺。无论是近观还是远眺，都能感受到其作品的穿插有序与大气凛然，墨色淋漓尽致，章法布局自然和谐。

启功先生揭示了董寿平作品的独特之处：“我常近距离、远距离地欣赏董老的墨竹作品，深感他笔下的每一枝一叶都如同书法艺术中的一笔一划，而整幅作品则宛如一片生机盎然的竹林。他巧妙地将书法艺术融入绘画之中，使得作品更富韵味。”相较于“画竹”，用“写竹”来形容董寿平的作品更为恰当。在描绘枝叶时，他运用中锋笔法，淋漓尽致地展现了竹子的阳刚之美。

《垂柳喜鹊》

王子武（1936年—2021年）100×50cm

镜心·设色纸本

款识：辛酉新夏子武

印文：子武 

《双吉图》

王子武（1936年—2021年）

69×46cm

镜心·设色纸本

款识：子武

印文：子武

 王子武的花鸟画风格严谨而洒落，不拘成格，用笔用墨自具特色。他在将中国画笔墨和素描两者结合上，笔精墨妙，形成了自己独特的艺术语言。

王子武的大写意花鸟画气势纵横奔放，不拘小节，笔简意赅，层次分明，虚实相生，水墨淋漓，生动无比。他融劲健的笔法于画中，笔锋侧逆交替，极其灵动活泼，酣畅淋漓。

王子武尤擅画禽鸟，如仙鹤、老鹰、喜鹊等，无不笔墨恣纵、浑厚华滋，加上生拙古朴的造型，既包涵了深厚的文化底蕴，又充满了独特的个人风格。他笔下的四时花木，运用勾、点、泼、皴等多种笔墨形态，将花卉的神韵刻画得入木三分。

王子武在花鸟画方面，喜画牡丹、喜鹊、梅、鹤等有吉祥寓意的题材。这些题材的选择不仅体现了他的审美趣味，也寄托了他对生活的美好祝愿。

王子武的花鸟画作品以其独特的艺术风格、生动的造型、巧妙的题材选择和精心的画面布局而著称于世。他的作品不仅展现了中国传统绘画的精髓，也体现了当代画家对艺术的执着追求和创新精神。

《白雪盖山巅》

崔如琢（1944年—）

136×68cm

软片·设色纸本

款识：癸巳初夏如琢指墨于静清斋

印文：崔如琢印

崔如琢出道甚早，学养深厚。他自幼习字，书法上深受郑诵先先生影响;及长学画，绘画上为李苦禅先生入室高足。崔如琢先生的作品画如其人，朴茂厚重苍中见湿，大气磅礴大巧若拙，个性鲜明，收作品放自如。无半点修铮造做之态。他的画取材甚广，包括山水、花鸟、虫、也间有人物。而尤以泼墨山水、荷花、水仙、墨竹、鸡最多得意之作。或简朴古拙，深厚浑穆，或清新雅致，充满趣味，或淋漓酣畅，妙意横生。数丈巨幅，随意挥洒，册页小品亦精奇生动，小中见大，气势磅礴。山水画用笔浑厚，画面以墨水不为，不追求色彩的复杂变化，单纯中予人丰富的美感，善用浓墨、破墨，苍茫厚道，枯湿浓重，枯湿浓淡均为笔力。

崔如琢先生的作品，朴茂厚重苍茫中见湿润，大气磅礴，个性明显，收放自如。他的画取材甚广，包括山水、花鸟、鸟虫、也间有人物。或简朴古拙，深厚浑穆，或清新雅致，充满趣味，或淋漓酣畅，妙意横生。数丈巨幅，随意挥洒，册页小品亦精奇生动，小中见大，气势磅礴。山水画用笔浑厚，善用浓墨、破墨，苍茫厚重，枯湿浓淡墨韵丰富。

美术理论家黄鸿仪认为，崔如琢对传统的坚守很大程度上来自他的两位老师：“秦仲文教他学画要学画史、画论 ；李苦禅教他中华美学是世界上最好的美学，所以他认为，中华文化是世界上最优秀的文化之一。”此番评价，跟崔如琢对自己成长经历的总结不谋而合。

崔如琢认为：“文化是有根的，一方水土养一方文化。只有用中国的文化艺术传统来教育后代，才能培养出真正的民族艺术家。”

《春韵图》

龚文桢（1945年—）

130×68cm

软片·设色纸本

款识：癸未岁秋月龚文桢写于北京

印文：龚文桢

龚文桢自幼研习中国传统工笔花鸟画，并尤为注重写生。他的作品追求严谨大方、清丽典雅的艺术风格，这在他的花鸟画中得到了充分的体现。他巧妙地运用工笔技法，将花鸟的形态、色彩和神韵刻画得栩栩如生。同时，他善于在画面中去除描摹的痕迹，使作品在严谨的风格中透露出“写”的趣味，从而形成了自己独树一帜的艺术风格。

在技法上，龚文桢不仅继承了传统工笔花鸟画的精髓，还进行了大胆的创新。他运用“没骨法用笔”和“渍水法”等传统技法，并在此基础上加入了复渍和勾染等新的表现手法，使得画面更加丰富多彩，表现力更加突出。此外，他还将以往只运用于山水的意境融入了花鸟画的创作中，将纯花鸟画扩展为带场景性的构图，融山水花鸟于一炉，进一步提升了作品的艺术价值。

龚文桢的花鸟画作品通常以植物与鸟类的组合为主题，通过细腻的笔触和丰富的色彩，展现了大自然的生机与活力。他的作品不仅表现了花鸟的形态美，更传达了深刻的文化寓意和审美情感。例如，他常常描绘的兰花、竹子、梅花等传统风骨韵致的植物，不仅体现了画家的艺术追求，更寄托了他对高洁品格的向往和赞美。

龚文桢在花鸟画的细节处理上极为用心。他注重刻画花鸟的细微之处，如花瓣的纹理、叶片的脉络、鸟羽的层次等，都经过精心的打磨和刻画，使得画面更加真实、生动。同时，他在构图上也极具匠心，善于运用留白和对比的手法，使得画面在视觉上更加和谐、平衡。这种对细节和构图的精心处理，不仅增强了画面的艺术效果，更使得观者在欣赏时能够感受到一种深远的意境和无限的遐想。

龚文桢的花鸟画作品以其独特的艺术风格、深厚的绘画功底和丰富的文化内涵赢得了广泛的赞誉。他的作品不仅表现了花鸟的形态美和神韵美，更传达了深刻的文化寓意和审美情感。同时，他在绘画艺术上的不断创新和追求也为后来的画家提供了宝贵的借鉴和启示。因此，龚文桢的花鸟画作品无疑是中国传统工笔花鸟画中的瑰宝之一。

《仕女图》

林墉（1942年—）

137×68cm

软片·设色纸本

款识：甲戌年冬月时制此遣兴林墉

印文：林墉

林墉，作为中国当代画坛的杰出人物画家，其艺术成就和独特风格在业界内外均享有盛誉。林墉在人物画领域开创了独特的“南方美感”，这一风格以潇洒、唯美、清新、明丽为特点，为中国当代人物绘画创作带来了全新的审美面貌。他的画作不仅展现了南国特有的地域风情，还蕴含了深厚的文化底蕴和人文关怀。

林墉的人物画作品巧妙地融合了传统中国画的精神与现代写实造型色彩，既保留了传统笔墨的韵味，又吸收了西方绘画的写实技法。这种结合使得他的画作既具有传统中国画的神韵，又符合现代人的审美需求。

林墉的人物画题材广泛，从大型历史题材到现实主义都市女性题材，他都有深入的表现。在技法上，他擅长运用多种笔墨技巧和色彩搭配，使画面既富有层次感又充满动感。

林墉作为岭南画派的代表人物之一，他的艺术成就和贡献对于推动岭南画派的发展具有重要意义。他通过自己的创作实践和教育活动，传承和发扬了岭南画派的优良传统和独特风格。

林墉的作品在国际上也产生了广泛的影响，他通过出国访问和交流活动，将中国的传统艺术和文化介绍给世界各地的人们，增进了中外之间的文化了解和友谊。同时，他也从国外吸收和借鉴了优秀的艺术成果和创作经验，丰富了自己的艺术语言和表现手法。

林墉作为中国当代画坛的杰出人物画家，其艺术风格独特、技法精湛、思想深刻、人文关怀浓厚。他的作品不仅具有极高的艺术价值和文化内涵，还对社会产生了广泛而深远的影响。

《篱菊秋烟图》

赵云壑（1874年—1955年）

135×38cm

立轴·设色纸本

款识：庚申孟秋云壑子

印文：赵云壑印

赵云壑善绘花卉，山水，兼擅篆刻，亦能草书。书、画、篆刻皆得吴昌硕之神韵而不徒袭其貌，博采徐渭、石涛、石溪、八大山人之法，是以画益豪迈，声誉日隆。东瀛人士尤好其书画，目为“缶庐第二”。缶翁晚年亦有嘱其代笔者。

赵云壑的笔法苍浑秀润，其作品集众家之长，博采兼收，很受当时文人雅士的青睐。他仿徐渭画法，其妙在于取前人之精华而脱胎换骨，追求神似而非形似；仿石涛画法，在于笔墨中包含了石涛花卉画作所呈现的率意和清奇的韵味；仿髡残画法，在于山水之间郁茂苍浑、酣畅淋漓的情趣；仿八大山人之法，则重于水墨写意，笔致简洁流畅。

晚清时期，江南深厚文人画传统的哺育以及新兴市民阶层的兴起使得海派画家们登上历史的舞台，同样是博古通今，但能融汇所学，撷其精粹而出新意者却是寥寥无几，赵云壑便是这少数者之中的佼佼者。

他不仅善绘花卉、山水，还兼擅篆刻，亦能草书，不可不谓之书画全才。其师吴昌硕赞曰：“子云作画，信笔疾书，如素师作草，如公孙大娘舞剑器，一本性情，不加修饰”。

他好写生，重个性抒发，花卉浑厚苍劲，亦具秀逸之质。山水取法元人，晚年研习石溪、石涛，花卉用色亦参以墨法，独具古艳明快之致。

赵云壑于吴派花卉之外也旁及山水。其山水早年师法黄公望，中年后参以曹知白、吴镇之法。吴昌硕去世后，赵氏已年过五十，更研习石溪、石涛笔意，其花卉用墨用色，具石涛气韵，画风始异于吴氏。

《国色》

何水法 （1946年—）

136×68cm

软片·设色纸本

款识：壬寅秋何水法写

印文：何 水法

何水法的绘画艺术风格独具特色，他的工笔花鸟画作品结构严谨，用笔圆润自如，设色典雅秀逸。他对两宋的花鸟画作过精深的研究，在绘画技巧和艺术表现上深受宋画的影响。同时，他又对青藤、八大等明清时期的写意画派有着独到的理解和领悟，因此所作写意花鸟气旺神畅，笔墨华滋，浑然天成。

除了在绘画艺术上的卓越成就，何水法还出版了《何水法花鸟画集》《当代最具升值潜力的画家·何水法》等二十余部著作，为后学者提供了宝贵的艺术资料和学习范本。他的作品不仅在国内有着广泛的影响，也深受国际艺术市场的青睐，成为当代最具收藏价值的画家之一。

何水法的艺术风格融合了东西方的绘画元素，既有中国传统文化的深厚底蕴，又具有现代审美意识的高度，是中国画坛上的一朵璀璨的明珠。他的作品以独特的艺术魅力和高超的绘画技艺，为世界艺术史册增添了浓墨重彩的一笔。

中国花鸟画几百年来相对固定了一种图式结构：石头+花木+鸟，何水法的花鸟画从形式上打破了传统的程式，其画面构成只有花木，没有石头、不见鸟影。何水法的“搬下石头”最后演绎为“去场景化”构图，这才是中国花鸟画史一次真正的革命。在何水法的审美视野中， “花鸟”没有场景，也不需要任何陪衬物，因为花鸟本身就是生命，就是精神，就是美。

《钟进士像》

吴山明（1941年—2021年）

137×67cm

软片·水墨纸本

款识：丙寅春月为钟进士写像山明于武陵

印文：吴 山明之鈢

吴山明先生如果说在早期的作品中依然延续着新浙派把花鸟技巧运用于水墨人物的创作中的话，那么在八十年代初，吴山明先生开始了一条不同于师辈们水墨观念的另一种路径与探索，并结合长期教学实践与研究，把其探索的成果——“意笔线描”纳入到中国画课堂教学中来，这对于学院中国人物画教学面临的改革与发展，指出了一条既符合中国传统审美又与现代发展方向相契合的教学理念与绘画手段。

吴山明先生的水墨艺术沉稳大气、纯洁苍秀，内敛含蓄而又富有诗意的笔墨语言，独具特色的“宿墨法”是当今中国水墨人物画的一面旗帜，其在写意水墨人物画创作实践中提出“重返单纯”的艺术观念更是他最具魅力的思想光华。数年来创作的无数经典代表作品都透着浓浓的高洁与纯厚的品格。

吴山明的意笔线描作品，多以人物肖像为主、兼参生活场景：老人饱经风霜的容颜，少女婀娜妩媚的身姿，藏民餐风饮露的艰辛，农家妇孺质朴友善的笑意，作品在其笔下无不充斥着田园牧歌式的诗情画意，这与画家的宅心仁厚、胸怀善意不无相关。

吴山明先生多年来坚持以毛笔对景写照，在生活中的直觉上充满了激情燃烧的生命力量，其艺术成就达到熟而通变的独特魅力。

《大吉大利》

石齐（1940年—）

69×42cm

软片·设色纸本

款识：石齐

印文：石齐之鈢  石齐

 石齐被誉为当代新中国画思想的创导者，受到业界内外的认可与推崇，其作品有着强烈的个人风格，用色大胆，画风的变化和不断创新也诠释出画家敢于探索的精神。石齐融入西方写实艺术的造型来诠释中国画，结合时代的艺术语言，极大地拓展了中国画尤其是人物画的空间。

纵观艺术发展的长河，循规守旧，多为在艺术史上无所作为的平庸之徒！敢于突破传统，挑战创新，以“三象合一”的创作理念，将浓烈的彩墨和热情奔放的风格相结合，在抽象和具象中穿梭，表达艺术家的情感和时代的精神。无疑，石齐是当代敢于突破创新的佼佼者！通过不断的求索，求变 ，创新 ，最终形成了自己独特的艺术语言！

可以说石齐为中国画开启了一个新的时代，为艺术的创新与发展做出了很大贡献。当然 石齐也是一位颇受争议的人物。因为多元性颠覆性的艺术思维 ，会有不同的看法，认为这种改变不合时宜！也算不上真正的变革，只是形式主义罢了。争论可以引发思考，绘画本身就不是临摹不是照抄照搬，而是艺术家对于事物的再造与升华，这才是最重要的。

在当代继续保持中国画的活力，就要坚守传统的支点，不为时流所动，40多年的创作经历，石齐在各个方面寻求突破，同时整合新鲜元素融入到创作之中，从技法到意境，这些新鲜的元素也让大家收获惊喜不断，恣意纵横的笔墨、强烈丰满的色彩，石齐的"新中国画"带大家进入了一个新境界。

画画是技艺，技巧。又远不在技艺、技巧。境界的大小，格调的高低，远不是技巧所决定了的。顺风顺水之际，许是秉承家乡人爱拼敢闯的特性，他摒弃传统章法，勇于探索创新，三十年如一日地追求“三象合一”的新中国画风，终成开宗立派大家。

《羽花蝶》

周京新 （1959年—）

138×35cm

软片·水墨纸本

款识：二零一一年京新写意

印文：京新

周京新作为中国当代杰出的中国画艺术家，其花鸟画作品同样展现了他深厚的艺术功底和独特的艺术风格。

周京新的花鸟画作品在继承传统写意花鸟画的基础上，融入了现代审美元素和技法，形成了自己独特的艺术风格。他善于从传统中汲取营养，同时又不拘泥于传统，勇于创新和突破。

周京新的花鸟画以笔墨为核心，追求笔墨的纯粹与表现力。他的笔墨线条流畅自然，富有变化，能够准确地表现出花鸟的形态和神韵。同时，他注重笔墨的肌理和水色的晕化，使画面更加生动和富有层次感。

在色彩运用上，周京新去俗而不避俗，采用民间化的色彩与写意化的笔墨构成和谐互补的关系。他的色彩鲜艳而不俗气，与笔墨相得益彰，共同营造出一种清新自然、生动有趣的画面氛围。

周京新的花鸟画作品在继承传统的基础上进行了大胆的创新和突破，为中国花鸟画艺术的发展注入了新的活力和元素。他的作品不仅在国内产生了广泛的影响，还受到了国际艺术界的关注和赞誉。

周京新的花鸟画作品不仅是对自然美的赞美和表现，更是对传统文化的传承和发扬。他通过自己的艺术创作实践将传统文化中的精髓和内涵融入到现代艺术中，使传统文化得以在新的时代背景下焕发出新的光彩和活力。

周京新的花鸟画作品以其独特的艺术风格、深厚的艺术功底和丰富的文化内涵赢得了广泛的赞誉和认可。他的作品不仅是中国花鸟画艺术的瑰宝，也是中国传统文化的重要组成部分。

《富贵长春》

郭石夫（1945年—）

136×68cm

软片·设色纸本

款识：癸巳春浓写并篆四字石夫年六八

印文：郭石夫印

以大写意花鸟画享誉画坛，并兼擅山水、书法、篆刻、诗词及西洋绘画等，于戏曲上造诣尤深。郭石夫先生的花鸟画，博综集萃，渊源广大，传承现代之吴昌硕、潘天寿、齐白石、朱屺瞻诸巨匠，其画风沉雄朴厚，古雅刚正，磅礴而不染犷悍之习，洒脱而内具坚贞之质。中国美术家协会会员、北京画院艺术委员会委员、国家一级美术师。

郭石夫为画，表现技法上一是主张“大”。此“大”一为“境界之大”，他不喜好艺术上的“小桥流水”，苦心追求艺术上的“黄钟大吕”，曾自刻闲章“天地吾庐”、“如此豪情”、“豪横人间笔一枝”以励志。二是“笔墨精神”，他画花鸟，泼墨如泼水，画面总是墨气淋漓，彩色只是点睛之用。三是“天然去雕饰”，以“自然天成”为最高境界，去人工匠气。总结郭石夫的艺术表现技法，岂一个“大”字了得?

郭石夫认为，人对美的追求永远没有尽头，中国画审美的最高境界就是自然天成，表现在他的花鸟作品中，就是大气淋漓，沉雄朴厚，古雅刚正，磅礴而不染犷悍之气，洒脱而内聚坚贞之质。

《水幽山静》《兰亭雅集图》

王明明（1952年—）

136×34cm 136×68cm

软片·水墨纸本  软片·设色纸本

款识：明明书   岁在丁亥春月明明画于京华潜心斋

印文：王明明印 潜心斋

王明明作为当代中国著名的画家和艺术家，其艺术成就和贡献在多个领域都得到了广泛的认可。王明明的艺术涵盖了人物画、山水画、花鸟画以及书法等多个领域，但其精神内涵和语言特点却非常统一。他的作品首先给人一种“清旷”之感，这反映了他超尘出俗的人生境界和广博的修养；同时，他的作品又十分精致，透露出一种中正平和之气，这是他对艺术的执着追求和严谨态度的体现。

传统与现代相融合：王明明的艺术创作在尊重传统的基础上，注重与现代意识的融合。他善于将传统笔墨精神与现代审美观念相结合，创造出既具有传统韵味又不失现代感的艺术作品。这种融合不仅体现在他的绘画作品中，也体现在他的书法创作中。

王明明在艺术创作中始终秉持着对传统的尊重和传承。他通过自己的努力和实践，将传统艺术的精神和技法传递给了后人，为传统艺术的发展做出了重要贡献。

王明明的艺术成就和影响力不仅限于艺术界内部，他还通过举办展览、讲学等方式将自己的艺术理念和创作经验传播给更广泛的人群。这种社会影响力不仅提升了公众的艺术素养和审美水平，也促进了文化艺术的普及和发展。

王明明作为当代中国著名的画家和艺术家，其艺术成就和贡献是多方面的。他的作品不仅具有极高的艺术价值和文化内涵，还对社会产生了广泛而深远的影响。

《多福多寿》

许麟庐 （1916年—2011年）

68×67cm

镜心·设色纸本

款识：八十一叟麟庐写于双鹅研斋晴窗下

印文：许麟庐

许麟庐的花鸟画独具匠心，他用笔灵活多变，画面气息清新，独具个性。他的画作中，花鸟形象生动逼真，栩栩如生，仿佛呼之欲出。他注重对自然界的细致观察，将自然之景与内心感受相融合，通过画笔表达出自己对生活的感悟和对自然的敬畏之心。

许麟庐的画作充满了力量和动感，他的笔墨运用恰到好处，线条流畅，构图简洁而不失精巧。他的画作中，每一笔都有意义，每一个细节都充满生命力。这种独特的画风，是对传统花鸟画的继承和发展。

许麟庐的花鸟画不仅是一种艺术形式，更是一种情感的表达。他的画作中，每一朵花、每一只鸟都是他内心情感的寄托和抒发。他通过画笔将自己的情感与自然相融合，创造出富有思想内涵和情感共鸣的艺术作品。

许麟庐的花鸟画以其独特的的气质和个性，成为画坛上的一股清流。他的艺术成就不仅在于画面本身的美感，更在于他对生活的和情感的独特表达。

《鸭趣图》

方楚雄（1950年—）

136×68cm

软片·设色纸本

款识：乙酉楚雄

印文：方楚雄印

方楚雄的动物画以其独特的艺术风格和深厚的技法著称。他的作品既有南方的温润与细腻，又充满了生机勃勃的生气，仿佛每一笔、每一划都在诉说着生命的律动与活力。他深入研习中国传统花鸟画技法，同时吸收西方绘画的精髓，形成了自己独特的艺术风格。这种风格既体现了中国画的传统精髓，又融入了现代艺术的创新元素。

在技法上，方楚雄的动物画注重笔墨的运用和色彩的搭配。他通过细腻的笔触和生动的构图，将动物的情感表达得淋漓尽致。无论是小鸟的欢快、小猫的悠闲，还是鹰鹫的凶猛、虎狮的威严，都被他刻画得栩栩如生，仿佛能让人感受到它们的呼吸与心跳。

方楚雄的动物画不仅展现了生命的形态，更展现了生命的情感。他通过画笔，将生命的多样性与丰富性展现得淋漓尽致。在他的画中，动物不再是简单的自然物象，而是被他赋予了生命与情感的存在。他画的小鸟轻盈灵动，仿佛在空中自由翱翔；他画的小猫俏皮可爱，让人忍俊不禁；他画的鹰鹫虎狮威猛雄壮，充满了力量与威严。这些生灵在他的画中仿佛都被赋予了灵魂，成为了具有生命力的存在。

方楚雄的动物画还表达了他对生命的敬畏与热爱。他通过画笔，将生命的多样性和丰富性展现得淋漓尽致，同时传递出对生命的珍视和尊重。他的画作不仅是对自然的赞美，更是对生命的颂歌。

方楚雄的动物画以其独特的艺术风格和深刻的思想内涵，吸引了众多国内外艺术家的关注和赞赏。他的作品多次参加国内外重要展览，并多次获奖，为中国画的发展做出了重要贡献。同时，他的画作也深受收藏家和艺术爱好者的喜爱，成为他们争相收藏的艺术珍品。

方楚雄在动物画领域的卓越成就和独特风格，不仅体现在他的个人艺术造诣上，更体现在他对中国画艺术的传承和创新上。他的作品为中国画的发展注入了新的活力和元素，推动了中国画艺术的不断发展和创新。

方楚雄的动物画以其独特的艺术风格、深厚的技法、深刻的主题与情感以及卓越的艺术成就，成为了中国画坛中的一颗璀璨明珠。他的作品不仅展现了中国画艺术的魅力，更传递出对生命的敬畏与热爱，为观众带来了无尽的审美享受和思考空间。

《清风徐来》

苗再新（1953年—）

136×68cm

软片·设色纸本

款识：苗再新写

印文：苗再新印

苗再新从小喜欢绘画的苗再新虽然没有受过专业的训练，但是这也阻挡不了他对绘画的热爱，经常自己研习齐白石、徐悲鸿、李可染等大家的画作。

在将绘画中西结合的道路上，他深知要想有所突破。尤其要突破传统、开阔视野。从纵横两个方面研究国画人物画取得的成绩和存在的问题，从而正视困难，迎接挑战。

在他创作的过程中认为人物画要比山水画难上一些，需要的时间和精力也要比山水画多出很多，对人物的造型要求很高，而且他在创作上最求厚重、沉雄之感觉。

他的这种文化自觉和自信让他清楚的认识到自己该如何行动，也就是“用心作画”。用不用心画画，实际上是当前国画界以至整个画界普遍存在的重要问题。绘画创新，不外乎是审美理念和技艺两个层面的问题而解决问题的关键就在于艺术家是否用心、用心思考。并不只是口头高喊口号；而是用心处理一个个绘画技艺问题。掌握扎实的手工技巧，并在技艺中体现自己的心智，要不满足于纯粹技巧的展示。

在以现实主义技法建构的主题性人物画创作领域中，苗再新无疑是一位具有代表性的水墨画家。其独特性不仅体现在他解放军艺术学院的军旅画家身份，而且在于其多年来入选全国性各大美术作品展览并获得重要奖项的绘画作品，很多都已成为中国当代美术史上的经典之作。从表现主题上，苗再新的创作视野关注到基层百姓生活、少数民族生活、西北地域吾土吾民、都市女性形象和古人高士等题材，这些作品显现了一位水墨人物画家广阔而深邃的审美眼光与艺术追求。

再新除了花大气力用严谨的造型结合传统的写意法刻画人物性格和表情外，善于用曲折有致、流动的线组织富有变化的块面构建画中人物，赋予人物动态以韵律和节奏。为避免人体部位流动的块面产生琐碎感，他巧妙地用长线、墨或色彩加以调节，使之不仅不失整体感，而且还有难能可贵的格局美。他的许多非重大主题性创作，也正是因为兼有造型功力和艺术修养，有笔墨情趣，受到人们的喜爱。这正如他自已所说的，希望作品给人第一个感觉是中国情调的画，是富有写意精神和现实品格的创造。这，其实也是中西合壁人物画追求的理想目标。

画家苗再新是近年来全国性美术展览中的“获奖专业户”，例如其代表作品《雪狼突击队》获首届中国美术奖创作金奖暨第十一届全国美术作品展览金奖，《热血男儿》获第九届全国美术作品展览银奖，《师生》为第八届全国美术作品展览获奖作品，《天使在人间》获第二届全国中国画展银奖，《儿女英雄》获全国画院优秀作品展最佳作品奖、解放军新作品一等奖等。与此同时，苗再新也承担了许多国家重大历史题材的创作人物，如作品《写作<共产党宣言>》《南京条约》《通惠天下》等均是重要的代表作品。

《江河》

尚涛 （1938年—2022年）

136×68cm

软片·水墨纸本

款识：尚涛

印文：尚涛心信

尚涛一生主要致力于中国传统书画创作，特别是在传统大写意花鸟国画方面笃定专注，凝心聚神，深耕默耘，其花鸟画作品粗线大笔，重墨浓色，构图造型，经营讲究，块面体积，形简意厚，大气饱满，雄浑壮拙。其个人的创作轨迹、实践脉络，及其所呈现的艺术风格、样式、面貌、状态等，给人总体印象是清晰明确、鲜明强烈和一以贯之的。

尚涛的作品是“大”的。“大”主要是从长、宽或高的“二维”平面上判断和衡量。通常也体现在两方面，一是指画面或画幅尺寸规格上的宽、高、大、阔等，另一种是指所表现题材对象，相对于实物的视觉印象、习惯比例而言，或与其它同类绘画作品的表现标准进行参照比较，在造型结构、形体大小、组合比例等方面显得更为粗、大。尚涛的作品主要属于后者，并非追求画幅尺寸不断增加、扩大，超越常规标准、打破记录，也没有在内容题材种类、数量等不断增多和扩充，为了大而大，其作品更注重对题材的造型、组合、结构等表现塑造，不拘小节，不求细小、精微、繁多与面面俱到，而是概括提炼，取其“大”意，粗笔大划，粗枝大叶，粗点大面，强调的是一种比例、感觉上的宽大、粗壮、饱满效果，“宁粗勿细”“宁大勿小”“以少见大”，尚涛曾说：“我希望画的东西少一点，这样才能把东西画得更大一点。” 

尚涛的作品是“重”的。“重”可以从垂直深度或厚度的“三维”层面理解和体现，是指运笔、用线、着墨在力度、浓度上的转化和反映，一种重量、深沉、穿透的综合感觉和效果。而这与尚涛先生审美取向及能印擅书，印、书追摹先秦、汉唐古朴雄浑、粗犷厚重之风密切相关，运笔用线力透纸背，如屋漏痕、锥画沙，如高山坠石，力重笔沉，留得住，入得深。勾勒皴擦，晕染铺积，点线面体，墨重色浓，重的极重、黑的尽黑，突出、强化与空白、淡墨之间的反差及对比度，使画面整体上呈现沉厚浓重、强烈鲜明的笔墨气象和视觉主调。

尚涛的作品是“慢”的。“慢”可以从速度、时间、过程上的“四维”角度理解。先生笔写墨染，不求“逸笔草草”、速成急就、直来直往、潇洒放纵，而是喜欢欲扬先抑，逆锋运笔，深按重压，抖、颤、顿、留并用，曲折缓慢，尽量增加笔墨纸色之间的阻力与摩擦，使之充分融合，这也是避免草率、浮滑、轻飘，更好落实并强化“重”“稳”“深”“沉”的直接与有效方法。“用笔只有慢才能找味道，画线要象用犁耕田一样，追求毛、涩，沉着入纸。”（卢沉·现代）相信尚涛先生也是感同身受的。

《山居图》

林容生（1958年—）

66×66cm

软片·设色纸本

款识：丁亥年夏林容生

印文：林 容生

林容生，作为中国当代青绿山水画的代表人物，其山水艺术具有鲜明的个人特征和深厚的艺术底蕴。林容生的山水艺术在继承中国传统山水画精髓的基础上，勇于创新，融合了现代绘画的理念和技法。他注重色彩的主观性和意象性，突破传统工笔重彩的程式化技法，使作品既有古典韵味又不失现代感。

林容生的作品以丰富的色彩和层次著称。他善于运用岭南画派的晕染技法，通过细腻的笔触和生动的色彩表现出大自然的壮丽景色和细腻情感。在色彩的运用上，他既注重色彩的对比与调和，又强调色彩的丰富性和变化性，使画面充满生机与活力。

林容生的山水艺术不仅注重技巧的运用，更强调情感与自然的真挚表达。他善于从自然中汲取灵感，将个人的情感融入笔墨之中，通过画作传达出对大自然的热爱和对生活的感悟。他的作品往往能够触动观者的心灵，引发共鸣。

林容生的山水艺术作品题材广泛，既有表现闽东、闽北等南方乡村景色的作品，也有描绘祖国大好河山的宏大之作。他的风格多样，既有细腻典雅的工笔山水，也有挥洒自如的写意山水，展现了他全面的艺术才华和深厚的艺术修养。

林容生的山水画往往与诗歌相结合，题跋在画上的现代诗成为他作品的一大特色。这些诗歌洗练隽永，能够触动读者的灵魂，与画面相得益彰，共同营造出深远的意境。他的画作往往让人感受到一种静谧、安详的氛围，仿佛置身于青山绿水之间，心灵得到了净化。

林容生的山水艺术以其独特的艺术风格、深厚的艺术底蕴和广泛的影响力而备受瞩目。他的作品不仅是对中国传统山水画的传承与发展，更是对现代审美观念的一种探索和表达。

《松鹰图》

萧朗（1917年—2010年）

68×45cm

镜心·设色纸本

款识：印鉨写于宣斋晴窗

印文：印鈢  萧朗

萧朗的鹰画作品具有鲜明的个人风格。他笔下的鹰，形象简洁而概括，每一笔都精准到位，生动传神。他善于捕捉鹰的神态和气势，通过简练的线条和墨色，将鹰的威猛与灵动展现得淋漓尽致。同时，他的鹰画元气充沛，墨色淋漓，展现出一种苍劲而圆秀的美感。这种美感不仅体现在鹰的形态上，更渗透于整个画面的气息之中。

萧朗画鹰的眼神尤为传神。他通过细腻的笔触和墨色的深浅变化，将鹰的眼神刻画得栩栩如生。那一种无所畏惧的狠劲儿，在这眼神里体现得淋漓尽致。这种眼神不仅赋予了鹰以生命力，也传达了画家内心深处的情感和追求。这种对眼神的精准刻画，使得他的鹰画作品更加生动、传神。

萧朗在画鹰时，展现了他精湛的绘画技法。他下笔迅速而有力，笔触洒脱自如。这种迅疾的笔法不仅体现了画家深厚的功力，也赋予了画面以动感和生命力。同时，他对墨色的运用也极为讲究，通过浓淡干湿的变化，营造出丰富的层次感和立体感。这种精湛的技法使得他的鹰画作品更加具有艺术感染力。

萧朗的鹰画作品具有独特的艺术风格、传神的眼神刻画、精湛的绘画技法以及深厚的文化内涵。他的作品不仅展现了他高超的绘画技艺，更传达了他对自然、生命和宇宙的理解与感悟。因此，萧朗的鹰画作品无疑是中国花鸟画中的瑰宝之一。

《多寿》

齐良迟（1921年—2003年）

138×46cm

托片·设色纸本

款识：三百石印富翁后人良迟家法自课

印文：齐良迟

在中国近现代绘画史上，齐白石如一颗璀璨的巨星，闪耀着独特的光芒。而作为齐白石的四子，齐良迟以其卓越的艺术成就，成为齐派艺术的重要传人，为中国绘画的发展做出了不可磨灭的贡献。

齐良迟的艺术作品，传承了齐派绘画的精髓，同时又融入了自己的独特风格。他的画作以花鸟鱼虫为主，题材广泛，寓意深刻。每一幅作品都仿佛是一个生动的故事，诉说着大自然的美妙与生命的奇迹。

齐良迟的花鸟画，笔法细腻，色彩鲜艳。他善于运用墨色的浓淡变化，表现出物体的立体感和质感。在他的笔下，花朵娇艳欲滴，鸟儿灵动活泼，昆虫栩栩如生。他的画作充满了生机与活力，让人感受到大自然的无穷魅力。

齐良迟的花鸟画深受中国传统文化的熏陶，同时又巧妙地借鉴了西方绘画的技法与理念。他将西画的细腻与国画的写意相结合，形成了一种独特的绘画风格。这种风格既具有中国传统美学的韵味，又融入了现代美感，给人以耳目一新的感觉。

齐良迟在造型上严谨而不失生动，他注重对自然景物的深入观察和理解，力求通过笔墨表现出景物的内在精神和生命力。他的线条流畅自然，笔触细腻入微，使得画面中的花鸟形象栩栩如生，具有很强的视觉冲击力。在色彩上，他巧妙地运用色彩的对比与调和，使得画面中的色彩既丰富又和谐，稳重而不失鲜明。

齐良迟在笔墨运用上达到了极高的境界。他注重笔墨的运用和情感的抒发，通过豪放的笔墨和夸张的表现手法，表现出花鸟的形态和神韵。他的作品既有传统的韵味，又具有现代感，给人以强烈的视觉冲击力和艺术感染力。

齐良迟是一位杰出的花鸟画家，他的作品充满了艺术感染力和生命力。他的艺术风格独特而鲜明，不仅继承了中国传统美学的精髓，更融入了现代美感和西方绘画的技法与理念。他的花鸟画作品在中国画坛上独树一帜，为后人留下了宝贵的艺术遗产。

《素容清秀》

霍春阳（1946年—）

75×49cm

软片·设色纸本

款识：庚寅春阳写意

印文：霍 春阳私印

霍春阳的花鸟画作品以其清新脱俗、细腻入微的笔触和独特的艺术风格而著称。他善于运用细腻的线条和丰富的色彩，将花鸟的神态和气质表现得淋漓尽致。无论是盛开的花朵，还是翩翩起舞的鸟儿，在他的笔下都充满了生机和活力，仿佛能让人感受到大自然的呼吸和脉动。

霍春阳的花鸟画不仅追求外在形象的逼真，更注重内在精神的传达。他通过对花鸟的深入观察和细腻描绘，将自然之美与人文情怀相结合，赋予作品以深刻的内涵和丰富的情感。这种将自然与人文相融合的艺术手法，使得他的作品既有中国传统绘画的韵味，又融入了现代艺术的元素，形成了独特的艺术风格。

霍春阳的花鸟画在近现代中国花鸟画的发展史上占据了重要的地位。他继承和发展了中国传统绘画的精髓，同时吸收和借鉴了现代艺术的表现手法，形成了自己独特的艺术风格。他的作品不仅在中国画坛产生了深远的影响，也赢得了国际社会的广泛赞誉。

霍春阳是中国近现代花鸟画领域的一位杰出艺术家。他的作品以其独特的艺术风格和深厚的艺术造诣赢得了广泛的赞誉和认可。他的艺术成就不仅体现在个人的艺术造诣上，更体现在他对中国花鸟画发展的推动和贡献上。他的作品将永远铭刻在中国画坛的历史长河中。

《孤烟寒色树 高雪夕阳山》

张大石头（1956年—）

136×68cm

软片·水墨纸本

款识：张大石头于历下

印文：张志民印

张志民儿时就对绘画表现出浓厚的兴趣，这种非功利的、朴素的喜爱，既是一种原始表达欲望，也是自然淳朴的天性。张志民出生于山东省滨州市阳信县。滨州是一座因东濒渤海而得名城市，但在张志民生活的阳信，并没有迷人的海滨风景，而是一片广袤的盐碱地。盐碱地生态环境相对恶劣，呈现出的是苍茫悲壮的地理风貌。一方水土对一个的一生都有着莫大的影响。他热爱家乡的山水，这种空旷与博大也让他对远方充满了无限的渴望，尤其是对山石充满了憧憬。

张大石头的“北山”，是其具有概念属性的总体审美理想的标志。即：这既是他的风格技法能指的标志，也是他的“精神感应”所指的标志。当然，这还是他所追求的文化归属的标志——标志着张大石头的图像语言在一定程度上是其人格信仰的产物。

在“北山”这个概念出现之前，张大石头追求的是“北派山水”，但这只是他的山水审美追求的一个观念借代，所以，“北山”才是他的审美追求和文化信仰落实在王阳明所说的“事上做”的具体体现，他应深知，思想、观念、追求、信仰，大而空疏，要收缩在具体的事情上进行实践才有实际意义，这应该是张大石头的从追求“北派山水”到提出“北山”概念的理性缘由。

张志民：古人所追求的闲云野鹤、归隐山林，更多的是一种对现实的逃避。他们对社会不满，或者仕途不顺，改变自然的能力又不够，就会倾向于道家思想。他们气节清高，不趋炎附势，就以艺术的形式构筑了一个近乎完美的精神境界和审美形式。

《大漠驼铃》

杨志印（1934年—2024年）

68×68cm

立轴·设色纸本

款识：辛巳年志印写

印文：杨志印

杨志印，被誉为高原画派的创始人，以及有着“骆驼王”的称号。他出生于西安，受长安画派熏陶，在甘肃的长期生活和工作中，他从西部高原的地域特色和人文环境中汲取了无尽的创作灵感。他的作品不仅深入挖掘和丰富了高原的意象，更开创了独特的“高原画派”画风。他笔下的骆驼，被誉为“神州画驼第一人”，通过创新的绘画技法，如“冲墨法”、“皱纸法”，将骆驼的皮毛质感和神态刻画得栩栩如生，这些新的技法也为中国画技法增添了新的元素。

说到杨老，自然会想起他笔下一幅幅美卷、一峰峰昂立豪迈的骆驼！那不仅仅是一幅画，更是他坚韧不拔、勇于探索、默默奉献精神的化身。每一笔触，每一色彩，都仿佛传递着驼铃声声，驼步悠悠，穿越着无垠的沙漠瀚海，讲述着古老动人的传说。他就像自己画中的骆驼一样，不知疲倦地在艺术的道路上探索，用画笔勾勒出一幅幅独具西部风情的壮丽画卷。

杨志印的骆驼画作不仅在技法上进行了大胆创新，还深刻体现了大西北的自然风光和人文情感。他创造了“冲墨法”和“皱纸法”，这些技法使得他的骆驼画作在表现骆驼的皮毛质感和神态时栩栩如生。冲墨法能够形成蓬松、柔软的效果，而皱纸法则通过纸面褶皱的表现，使得画面更加自然和谐、灵动活泼‌。

高原画派创始人杨志印，文/单国强。我与杨志印先生素昧平生，但早已闻其大名，他是当代高原画派的创始人，并有“骆驼王”之称。他出生在西安，早年曾得到石鲁大师指导，故受长安画派熏陶。但后来长期在甘肃工作、生活，西部高原独具的地域资源和人文环境，赋予了他丰富的创作源泉。他始终不渝地坚持深入生活、体察自然以及熟稔风土人情、激发真情美感的创作思想，更使他的作品洋溢着浓郁的雪域高原特色，挖掘和丰富了高原的意象，造就了独特的审美意境和审美空间，别开蹊径地创立了“高原画派”画风。杨志印先生的画风朴实奔放,积极向上,充溢着西部的阳刚之美。其人亦勤奋进取,不畏艰险,不求闻达,甘守清贫,诚如古人所云:“画如其人也”。杨志印先生在最爱画的骆驼题材上，创造出了“冲墨法”、“皱纸法”等新法，将骆驼皮毛的茸软厚重和肌理结构刻画得质感强烈，栩栩如生，不愧“神州画驼第一人”之誉。

杨志印的艺术成就不仅体现在骆驼画作上，他还深刻理解了西部风情，并将其融入画作中。他的作品充满了浓郁的西部特色和生活气息，每一幅画都是对西部大地的深情描绘‌。此外，杨志印在艺术教育和传承方面也有着显著的贡献，他培养了众多优秀的学生，将自己的艺术理念和技法无私地传授给他们‌。

杨志印的艺术风格和技法对中国画的发展产生了积极影响。他的创新不仅丰富了高原画派的意象，还为中国画的技法增添了新的元素。他的作品大气、浑厚，不落俗套，具有独特的艺术魅力‌。  

当我们再次凝视这些画作，仿佛还能感受到杨老那睿智坚毅的目光和不息探索的步伐。斯人虽已远去，但杨老的艺术精神将永远激励着后生前行，提示我们不忘初心，坚持梦想，勇于探索，甘于奉献，在各自的领域里发光发热，为这个世界增添更多的美好与色彩。

《家住云水间》

周逢俊 （1955年—）

179×97cm

软片·设色纸本

款识：乙酉春松韵堂主人逢俊

印文：周 逢俊之印

周逢俊，一位在当代中国画坛独树一帜的画家，以其独特的艺术风格和对自然、人生的深刻理解，将诗意与哲思融入每一幅山水画中。本文将从周逢俊的艺术生涯、创作理念、以及他在中国画坛的影响等方面，带您走进这位画家的艺术世界，感受其画作中的诗意与哲思。

周逢俊的画以山水为主，即便画花鸟，他说也以山水之画对待，青藤、八大是其所爱。究其因，亦不过荒寒二字。荒寒，勾连了他的山水画与花鸟画，同时也勾连了他的笔墨意趣。周逢俊说，他的画取宋人构架及元明清人的笔墨。

所谓宋画架构，我以为指的是五代北宋时期的绘画，无论是花鸟画还是山水画，均能从大处着眼，细处入手，写实性较强，如黄居寀或崔白及其他画院画家，又如巨然、范宽或李成、郭熙的山水画，其气局颇大，生机勃勃，笔墨间未见荒寒萧索之象。及至元代倪瓒、王蒙、吴镇，其山水意象方见冷峻、隐逸、闲淡，萧瑟而荒寒，笔函形则气蕴象，解氤氲之分，作辟混沌。

他的艺术风格独特，山水画融合了北派山水的雄浑大气与南宗山水的秀润雅逸，花鸟画则素丽清雅，厚重大气。

在用笔上，他刚健劲利，力透纸背，如《神龙架清秋》一作便体现了其‘刚’的特点。同时，他的笔力又强建且不失韧劲，如在《谷自幽风净》中，用笔刚中有韧，生动矫健。用墨方面，他极重墨色，浑厚处如暮色隐晦，清淡处氤氲迷茫，如《江南第一峰赋》一画，墨色滋蔓，浓厚无比。

在置陈布势上，周逢俊的山水常以密取胜，但密中有疏，疏中有密，展现了他对疏密关系的通达掌握。这种匠心独具的运用使得其作品呈现出盎然生机和清新野逸的风格。总的来说，周逢俊的艺术成就高，其作品具有极高的艺术价值和审美意义。

周逢俊画作的根基来自于传统，他面对和描绘的山水实际上是他极其重要的精神之旅，他那高远和深远的构图，既有典型的宋画北派山水那种峰峦浑厚、势状雄强的崇高，又有南派山水那种山光水色、江南烟雨、林木苍松的灵秀，带有神圣梦幻意味的银屏山并非是真正站在其上俯瞰大地全景的地方，而是感受其精神的神秘不朽的一种象征。

《目穹千里》

张朋（1918年—2009年）

69×48cm

立轴·设色纸本

款识：辛酉秋月张朋

印文：张朋 锡百

张朋先生是一位杰出的国画艺术家，他的艺术造诣深厚，作品风格独特，具有广泛的影响力。他出生于1918年，祖籍山东高密，是原山东纺织工学院教授，也是中国美术家协会会员。

张朋先生的艺术成就得益于他的家学渊源和传统功底，以及西方绘画的基础。他擅长大写意花鸟、草虫、动物等，兼写人物山水，其作品构图新颖、造型夸张、笔墨洗炼、形神生动，构成自己独特的风格。

张朋先生的作品具有很高的艺术价值。他的作品在构图方面十分新颖，他能够以独特的方式表现出自然之美和生命的力量。他的造型夸张，笔墨洗炼，形神生动，给人留下深刻的印象。他的作品不仅表现了自然之美，也表现了人类对自然的敬畏和向往。

张朋的画鹰以其独特的艺术风格和鲜明的个性特点而著称。他善于捕捉鹰的神态和气质，通过细腻的笔触和生动的墨色，将鹰的威猛、矫健和高傲展现得淋漓尽致。

他的画鹰作品不仅具有形似之美，更富有神似之韵，让人感受到一种强烈的生命力和震撼力。在构图上，张朋的画鹰往往采用特写式的描绘方式，将鹰置于画面的中心位置，通过放大鹰的形象来突出其主体地位。这种构图方式使得画面更加紧凑、有力，同时也增强了观者的视觉冲击力。此外，张朋还善于运用画面的空白和墨色的浓淡变化来营造一种虚实相生的意境，使画面更加生动、自然。

张朋在画鹰时，笔墨运用得极为精湛。他善于运用干湿、浓淡、疾徐等不同的笔墨技巧来表现鹰的羽毛、眼睛和神态等细节。同时，他还注重色彩的运用，通过巧妙的色彩搭配和对比，使画面更加丰富多彩、富有层次感。他的画鹰作品往往以墨色为主，辅以淡彩或重彩，使得画面既具有传统水墨画的韵味，又不失现代绘画的时尚感。

张朋先生不仅是一位杰出的艺术家，还是一位优秀的教师。他曾在山东纺织工学院任教，为中国的艺术教育事业做出了贡献。他注重培养年轻人的艺术修养和技能，以自己的经验和心得指导学生们在艺术道路上不断进步。张朋先生在本世纪的中国画坛享有很高的声誉。他的作品多次参加国内外展览，并被国内外博物馆、美术馆及私人收藏家广泛收藏。他在国内外艺术界都有着广泛的影响力，为中国的艺术事业做出了卓越的贡献。

《夏荷》

刘文西（1933年—2019年）

69×69cm

托片·设色纸本

款识：一九九三年于长安刘文西

印文：刘文西印

刘文西先生自幼酷爱绘画，凭借着对艺术的无限热爱和不懈努力，他在很短的时间内就崭露头角。他的作品风格独特，笔触细腻，色彩鲜艳，富有浓厚的乡土气息和人文关怀。他的画作不仅展现了黄土高原的风土人情，更将这种独特的地域文化推向了全国乃至全世界。

值得一提的是，刘文西先生还担任了第五版人民币“毛泽东头像”的创作者。这无疑是对他艺术造诣的高度认可。他用画笔诠释了毛主席的伟大形象，将毛主席的伟岸形象和神韵跃然纸上，让人们能够更加真实地感受到毛主席的亲切和伟大。

刘文西的《夏荷》描绘了荷花盛开时的状态，整个画面构图饱满，色调和谐。画家运用传统的写意技法，结合个人的创新手法，笔墨纵横豪逸又随形而变，富有韵律。大块墨叶环形映衬，将荷花的形态、色彩和神韵表现得淋漓尽致，充满生机和活力‌。此外，画家还巧妙地运用了光影效果，使得画面更加立体、生动，展现出荷花的自然美与艺术美‌。

“荷”作为花鸟画科的题材之一，其形象最早出现在东晋顾恺之《洛神赋图》（故宫本）中，也是最早一幅与荷有关的绘画作品，发展至唐代，以“荷”为主题的绘画开始出现，文人画家借荷花表现自己的高洁之志，“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”，成为独特的艺术意象和精神寄托。

刘文西的艺术风格独特，早期作品风格严谨细腻，形象生动逼真，色彩明快艳丽。从上个世纪80年代中期开始，他的绘画中逐渐强化了笔墨的含量，线条变化更加丰富，写意的水墨韵味十足，色彩趋向概括。这种风格的变化体现了他对艺术的不懈追求和创新精神‌。

刘文西的艺术成就不仅体现在他的荷作品上，他还被誉为“中国人物画泰斗”，是“浙派人物画”的代表画家之一，并创立了“黄土画派”。他的作品多表现陕北农民的朴实敦厚特质，形神兼备，具有极强的艺术感染力‌。刘文西的艺术主张是“熟悉人、严造型、讲笔墨”，这一主张使他的作品在当今中国画坛独树一帜‌。