自杀的高卢人(雕像)

高211厘米罗马特而默博物馆［希腊］公元前2世纪

这一组雕像《自杀的高卢人》(高约211厘米),描写的是一个战败的高卢战士,为了不被敌人俘虏后身受凌辱,他先亲手杀死了自己的妻子,然后准备自刎。他左手搀着已被他杀死了的妻子,右手执剑往自己的左胸口刺入。身子站立着，眼睛向后面追来的敌人投射出无比的愤怒。具有一种宁死不屈的壮烈姿态。雕像构思的成功,以及它那现实主义的手法,其艺术效果,与塑造者的原意正好相反。
艺术家的本来目的是要揭露侵略者的悲惨遭遇,以表彰胜利者的凯旋与幸福情绪的。可是实质上,由于过分强调了高卢人的尚武精神,反把敌人的英勇不屈气概给表达得淋漓尽致。我们从这组雕像的形式设计上看,雕塑家的主要成就，是他们选中了古代战士视死如归的最激动时刻。这和当时亚历山大里亚的雕塑风格形成鲜明的对照,后者偏重于装饰,而且多造园林和喷泉,所作雕像多为女子裸体。因此柔靡之风过重。在柏加马,我们看到的只是胜利的凯歌,连它的所有祭坛浮雕,也都象征着对高卢人胜利的统治精神。比如,宙斯祭坛上的高浮雕,虽然刻画的是神话题材,实际上那条大饰带浮雕所描写的众神与巨人战斗的激烈场面,就是希腊人战胜游牧民族高卢人的寓意化。这尊《自杀的高卢人》和《垂死的高卢人》都是大理石摹制品,《自杀的高卢人》现收藏在罗马特而默(Terme)博物馆。

阿波罗像

国家:伊特鲁里亚
年代:公元前510年
大小:高约175厘米
收藏地点:罗马朱理教皇的别墅

伊特鲁里亚的雕像艺术,至公元前6世纪达到最繁荣时期。伊特鲁里亚人曾经靠武力占领了罗马城达百年之久。现从发掘地考察证明,在公元前6世纪末,伊特鲁里亚人曾以罗马城郊不远的维依(Veii)城为自己的文化中心,建造了许多神庙。这一尊陶质雕像就是在这里的一个神庙废墟中发现的许多陶像雕刻之一。
这件陶质雕像原来可能也是装饰在神庙的人字墙上的,故名叫“阿波罗”(因在那里还发现与它同样风格的“赫耳墨斯”头像)。这尊陶像的脸部表情仍未脱尽希腊古风期的呆板性,微笑的程式化,动态也显得稚拙。但雕像上的装饰性因素很强烈:贴在身上的衣褶,向前迈步的姿势和希腊早期的雕刻也不尽一致,尤其是雕像身上的衣纹处理,有它自成的风格体系。这几件陶质雕像(包括同一地区发现的《赫耳墨斯》头像),据说都是当地一位古代雕塑家乌卡所作的。此像高约175厘米,现藏罗马朱理教皇的别墅内。

雅典娜神像作者：菲狄亚斯

《帕提农神庙的雅典娜神像》，又名《戎装的雅典娜》原作为黄金象牙雕像，由古希腊艺术全盛时期杰出的雕刻家菲狄亚斯作于约公元前438年，后来毁于拜占庭帝国时代，现为大理石复制品，高105厘米，现收藏于雅典国立考古博物馆。

雅典娜是希腊雅典的守护神，也是智慧的女神，在希腊神话中，她是从主神宙斯的头颅里蹦出来的。在古希腊的雕塑中有许多是雅典娜的形象，以赞美这个庇护希腊人的女神，这尊《帕提农神庙的雅典娜》是比较有代表性的一个。这尊雕塑是当年帕提农神庙大厅中的主像，但已不复存在，据说雕像高达12米，用木料作胎，用黄金和象牙作表面装饰，极其奢侈华贵，据说仅雅典娜穿着的希腊式长衫就消耗了2500多磅黄金。雕像中，雅典娜一身戎装，威风凛凛，她头戴战盔，胸披甲胄，右手托着胜利女神，左手扶着刻有浮雕的盾牌，盾牌内还有一条巨蛇。头盔上雕刻的是女妖斯芬克斯和两头飞马神兽，胸甲上则是女妖美杜莎的头发。雅典娜体态丰满健壮，右腿直立，左腿微曲，长衫的雕刻厚重有力，自然生动。她的面部造型均匀端正，眉宇清朗，鼻梁挺直，嘴唇微闭，双目炯炯有神，显示出传说中神的崇高和严肃。但同时，她那平和的神情又给人一种平易安祥的美丽少女的印象。据说，当年每四年举行一次大型的雅典娜节，可以想象，当灿烂的阳光透过宏伟的神庙大门投射到这尊金光闪闪的巨像上时，是何等的辉宏和壮丽。这正是希腊“黄金时代”的真实写照。

这尊雕像是古希腊辉煌时期的的典范之作，代表着古希腊雕刻艺术的高峰。

维纳斯像

 《米洛斯的阿芙洛蒂忒》俗称《米洛斯的维纳斯》、《断臂的维纳斯》、《维纳斯像》等，大理石雕像，高204厘米。

在希腊化时期，表现女性人体美的雕塑日渐增多，对爱与美之神阿芙洛蒂忒，也就是维纳斯的歌颂更是层出不穷，其中最为著名雕像的就是这尊《米洛斯的阿芙洛蒂忒》，并已经成为赞颂女性人体美的代名词。

1820年2月，在爱琴海的米罗斯岛上，一个农夫在一座古墓旁整地时挖掘到一尊女性雕像。她分成上、下两截，并与刻着名字的台座、拿着苹果的手腕以及其它断片等等一道，散落在附近的田地下。已懂得这是值钱的东西的农夫，立刻将它们埋原，并报告了在岛上的法国领事。领事稍付定金，即通知当时设在君士坦丁堡的法国大使。几乎与此同时，在爱琴海搞测量的一位法国海军士官，名叫鸠尔?丢孟?都尔维尔对此表示了更大的关注。这是一位希腊艺术的爱好者，当他看过这些雕像的块片以后，认为它们是一个整体，并第一个断定这就是维纳斯的雕像。于是立刻告诉农夫，法国决定把她买下，要他不必再到处声张了。随即赶到君士坦丁堡，向大使命陈详情，促使大使下了决心并派专人前去交易。不料岛上的长老出于本岛的利益而中途插手，开会议决命农夫将雕像卖给在土耳其任职的一位希腊大官，当法国人赶到岛上时已经是雕像装船的关头了。见此情景，他们几乎要动武，命令法国船舰随时准备行动。顿时，爱琴海上战云密布。恰巧，一场暴风而解了围。它推迟了土耳其船只的起航，为法国使者争得了斡旋的时机，他们软硬兼施，把雕像终于转到了法国船上。后来又给岛上赠送金钱，从而取得了岛上放弃雕像的誓约书。雕像顺利运抵巴黎，由于种种政治、人事方面的原因，一直推至1821年3月2日，国王路易十八才正式接受献礼。从这一天开始，她便成为法国国家财产。当时的登记名称是“在希腊群岛中的米罗所发现的维纳斯像”，并被陈列于罗浮宫特辟的专门展室中。

法国获得这尊雕像时，全国一片沸腾，人们视之为国宝，并被尊称为卢浮宫的镇馆之宝。她一直为世界上所有热爱艺术和美的人们所景仰，他们都以能亲眼目睹这尊古希腊最伟大的艺术奇迹为人生一大幸事。

维纳斯的文化背景

维纳斯是罗马神话中的爱与美神，也是象征丰饶多产的女神。古希腊神话中称为阿佛洛狄忒。传说她在大海的泡沫中诞生，在三位时光女神和三位美惠女神的陪伴下，来到奥林匹斯山，众神被其美丽容貌所吸引，纷纷向她求爱。宙斯在遭其拒绝后，遂把她嫁给了丑陋而瘸腿的火神赫斐斯塔司，但她却爱上了战神阿瑞斯，并生下小爱神厄洛斯。后曾帮助特洛伊王子帕里斯拐走斯巴达国王墨涅拉俄的妻子、全希腊最美的女人海伦。引起希腊人远征特洛伊的十年战争。《米洛斯的维纳斯》是举世闻名的古希腊后期的雕塑杰作。

米洛斯的维纳斯的艺术魅力

从雕像被发现的第一天起，就被公认为是迄今为止希腊女性雕像中最美的一尊。多少年来，人们对她倾注了不计其数的赞美和歌颂。爱神的身材端庄秀丽，肌肤丰腴，美丽的椭圆型面庞，希腊式挺直的鼻梁，平坦的前额和丰满的下巴，平静的面容，流露出希腊雕塑艺术鼎盛时期沿袭下来的理想化传统。她那微微扭转的姿势，使半裸的身体构成了一个十分和谐而优美的螺旋型上升体态，富有音乐的韵律感，充满了巨大的魅力。作品中女神的腿被富有表现力的衣褶所覆盖，仅露出脚趾，显得厚重稳定，更衬托出了上身的秀美。她的表情和身姿是那样的庄严崇高而端庄，象一座纪念碑；她又是那样优美，流露出最抒情的女性柔美和妩媚。人们似乎可以感到，女神的心情非常平静，没有半点的娇艳和羞怯，只有纯洁与典雅。她的嘴角上略带笑容，却含而不露，给人以矜持而富有智慧的感觉。尤其令人惊奇的是她的双臂，虽然已经残断，但那雕刻得栩栩如生的身躯，仍然给人以浑然完美之感，以至于后世的雕刻家们在竞相制作复原双臂的复制品后，都为有一种画蛇添足感觉而叹息。正是这残缺的断臂似乎更能诱发出人们的美好想象，增强了人们的欣赏趣味。雕像没有追求纤小细腻，而是采用了简洁的艺术处理手法，体现了人体的青春、美和内心所蕴含的美德。整尊雕像无论从任何角度欣赏，都能发现某种统一而独特的美。这种美不再是希腊大部分女性雕像中所表现的“感官美”，而是一种古典主义的理想美，充满了无限的诗意，在她面前，几乎一切人体艺术作品都显得黯然失色。

整个雕像的比例也是十分耐人寻味的。它接近于利西普斯所追求的那种人体美比例，而且，雕像的各部分比例几乎都蕴含着黄金分割的美学秘密。这正是古人对于人体美的赞颂和肯定，为后世的艺术树立了不朽的典范。

《米罗的维纳斯》由若干块断片经过精心的接合加工后而公诸于世。那个带铭文的台座和持苹果的手臂很快就被专家鉴定与雕像无关而被剔除了，从而推测在罗马时即已失去手臂。因此，雕像又同时以“断臂维纳斯”著称于世。于是，修复原作的双臂成了艺术家、历史家最神秘也最感兴趣的课题。归纳起来，当时最典型的几种方案是：左手持苹果、搁在台座上，右手挽住下滑的腰布；双手拿着胜利花圈；右手捧鸽子，左手持苹果，并放在台座上让它啄食；右手抓住将要滑落的腰布，左手握着一束头发，正待入浴；与战神站在一起，右手握着他的右腕，左手搭在他的肩上……但是，只要有一种方案出现，就会有一种反驳的道理。最终得出的结论，几乎是保持断臂反而是最完美的形象！除了双臂复原的争论以外，还有许多其他问题也引起人们的兴趣。譬如，她真是维纳斯吗？也许是大海女神、胜利女神？其次，作者是谁？制作年代、地点？等等一大堆问题挑起了大家的论战。最后，除了她是维纳斯，并创作于公元前二世纪末这个看法比较统一以外，其余的只好作为一系列悬案留待后人去考究了。

作为审美观照，当人们站在这个精美的雕像面前的时候，一个裸体的女性，她丰满而圣洁，柔媚而单纯，优雅而高贵，这就足够人们为之倾倒的了。在这洁白的大理石里面，是少女的青春，是生命的跃动。人们从这里发现了自己，自己的生命，自己的创造潜能；感受到了人类生生不息的原动力……这是一种极大的满足，最深的启示，这也是人体的魅力之所在！人体，它本身就蕴藏着无穷无尽的变化，孕含着微妙多姿的美。希腊民族得天独厚，最深刻地理解和最完整地把握了人体这个小宇宙，并发掘出人类纯粹的知性结构，再通过自然的真实外貌，去表现一种更高的境界。他们把情与理、美与真探合在一起，在神的庇护下追求着自由生活的真谛与乐趣，在理性的指导下，赤裸裸地展现人自身。黑格尔就曾经高度赞扬希腊人能够完美地把神的普遍性和理想性与神的个性结合在一起。尤其赞赏阿佛洛耿忒的裸体表现，他说，“她是纯美的女神”，“把她雕成裸体是有正当理由的：因为她所要表现的主要是由精神加以节制和提高的感性美及其胜利，一般是秀雅，温柔和爱的魔力。”对于《米罗的维纳斯》，谁也不可能、也没有必要从她赤裸袒裎的身上去归纳出一个具体的主题。她把自然、生命，她把真、善、美都集中于一身。她不愧为古代希腊雕刻的一个典型代表，不愧为女性美的最高体现。她超越了空间和时间，直至今日还表现出那种秀雅、温柔和爱的扭力。

“米罗的维纳斯”以其独特的艺术魅力而使之成为家喻户晓的爱与美的女神的雕像。但她并不是唯一的，她只是古代希腊众多的阿佛洛狄忒雕像中的一个罢了。从创作时间上说，她已经是希腊化时期的作品，在这以前就有不少佳作出现了，在这以后也仍有所见。现在，可以再回到古典希腊时代，从最早出现的阿佛洛狄忒雕像开始，并把她们放在当时的历史背景中加以对比，从而了解她们与整个社会发展变化的关系．

大卫作者：米开朗基罗

云石雕像，像高2.5米，连基座高5.5米，米开朗基罗创作于公元1501-1504年，现收藏于佛罗伦萨美术学院。这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。

大卫，在《圣经旧约》中是以色列的一个少年牧童，当非利士人侵犯以色列时，大卫到前线给哥哥们送饭。敌方的巨人哥利亚凶悍异常，以色列人正无法抵挡时，少年大卫用甩石机杀死哥利亚，挽救了整个民族。

米开朗基罗创作这尊雕像时，还不到30岁，但他的艺术风格已趋于成熟。过去的艺术家们多半表现大卫割下敌人的巨头，已经取得胜利的情景。米开朗基罗表现的却是：大卫左手上举，握住搭在肩上的＂甩石带＂，右手下垂，似将握拳。头部微俯，怒目裂眦地直视前方，处于迎接战斗的状态。从艺术效果来看，这种矛盾高潮到来之前的状态更富有吸引力。从思想效果上说，雕像充分体现了一种顽强、坚定和正义的精神气质。米开朗基罗把大卫作为保卫共和制城市的一名青年战士的典型来塑造，这反映了他的政治思想。在艺术技巧上，艺术家以解剖学为基础，对人体结构和全身的筋肉都表现得极为合理极为自然，同时对手的关节和大腿加上夸张加长，手和脚稍大，这对一个少年来说是正常的。面部表情也非常逼真，他双眉紧锁，目光炯炯，全神贯注，显示出压倒一切敌人的威武姿态。这件作品成为后世艺术家学习雕塑的楷模，是雕塑史上最杰出的作品之一。

自由女神像作者：巴托尔迪

 美国，自由女神像，文化遗产，1984年列入世界遗产名录。

女神像的钢铁骨架由设计巴黎铁塔的埃菲尔设计，雕像由法国雕刻家维雷勃杜克设计，并在巴黎完成。法国政府将这一标志自由的纪念像，作为庆祝美国独立100周年的礼物赠给美国。自从1886年落成以来，它耸立在纽约港的入口。

自由女神像，作为美国象征，位于美国纽约市曼哈顿以西的一个小岛--自由岛上，她手持火炬，矗立在纽约港入口处，日夜守望着这座大都会，迎来了自19世纪末以来到美国定居的千百万移民。1984年，它被列入世界遗产名录。

自由女神像是法国人民赠给美国人民的礼物，是自由的象征，女神像高46米，连同底座总高约100米，是那时世界上最高的纪念性建筑，其全称为"自由女神铜像国家纪念碑"，正式名称是"照耀世界的自由女神"，整座铜像以120吨的钢铁为骨架，80吨铜片为外皮，以30万只柳钉装配固定在支架上，总重量达225吨，铜像内部的钢铁支架是由建筑师维雷勃杜克和以建造巴黎埃菲尔铁塔闻名于世界的法国工程师埃菲尔设计制作的。

女神双唇紧闭，戴光芒四射的冠冕，身着罗马式宽松长袍，右手高擎象征自由的几米长的火炬，左手紧握一铜板，上面用罗马数字刻着《美国独立宣言》发表的日期--公元1776年7月4日，脚上散落着已断裂的锁链，右脚跟抬起作行进状，整体为挣脱枷锁、挺身前行的反抗者形象，女神气宇轩昂、神态刚毅，给人以凛然不可侵犯之感。而其端庄丰盈的体态又似一位古希腊美女，使人感到亲切而自然。当夜暮降临时，神像基座的灯光向上照射，将女神映照得宛若一座淡青色的玉雕。而从女神冠冕的窗孔中射出的灯光，又好像在女神头上缀了一串闪着金黄色的亮光，给热闹而喧嚣的大都会平添了一处颇为壮观的夜景。创造这一艺术杰作的是法国雕塑家巴特尔迪，女神的形象源于他在17岁时亲眼目睹的激动人心的一幕：1851年，路易?波拿巴发动了推翻法兰西第二共和国的政变。一天，一群共和国党人在街头筑起防御公事，与政变者展开巷战。暮色时分，一位忠于共和政权的年轻姑娘，手持燃烧的火炬，跃过障碍物，高呼"前进"的口号向敌人冲去，不幸中弹牺牲。从此，这位高擎火炬的勇敢姑娘就成了雕塑家心中追求自由的象征，另外，女神像的形体以巴特尔迪后来的妻子为原型创作，面容则取自他的母亲。雕像把自由女神描绘成一位身披飘逸长袍的妇女，右手高举点燃的火炬，左手持一标有1776年7月4日美国《独立宣言》发表日的铭板。头冠上有七支像宝剑一样的突出物，代表着七个海洋和七块大陆。在女神像的基座上刻着诗人埃玛?拉扎勒斯的动人诗句：

“将你疲倦的，可怜的，蜷缩着的，渴望自由呼吸的民众，将你海岸上被抛弃的不幸的人，交给我吧。将那些无家可归的，被暴风雨吹打得东摇西晃的人，送给我吧，我的金门旁高高地举起我的灯？”

1869年，巴特尔完成了自由女神像的草图设计。1874年造像工程开工，到1884年完全造竣，前后历时十年，雕像仅食指就有2.5米长，1米宽，指甲则有75厘米厚。

1884年7月6日，自由女神像正式赠送给美国。8月5日，神像底座奠基工程开始，基座高约27米，由花岗石混凝土制成。基座下面是打入弗特伍德古堡中心部位6米深处的混凝土巨柱。该古堡是一座军用炮台，呈八角星状，于1808-1811年为加强纽约港的防卫而建，1840年翻新。1885年6月，整个塑像被分成200多块装箱，用拖轮从法国里昂运到了纽约。1886年10月中旬，75名工人在脚手架上将30只铆钉和约100块零件，组合一处。28日，美国总统克利夫兰亲自主持了万人参加的自由女神像的揭幕典礼。1916年，威尔逊总统为女神像安装了昼夜不灭的照明系统并主持了竣工仪式。1942年美国政府做出决定，将自由女神像列为美国国家级文物。

一个多世纪以来，耸立在自由岛上的自由女神铜像已成为美利坚民族和美法人民友谊的象征，永远表达着美国人民争取民主、向往自由的崇高理想。

 
 掷铁饼者作者：米隆

 大理石雕复制品，高约152厘米，罗马国立博物馆、梵蒂冈博物馆、特尔梅博物馆均有收藏，原作为青铜，米隆作于约公元前450年。

公元前449年到公元前334年是希腊雕塑艺术的全盛时期，艺术史上称为“古典时期”，大量优秀的雕塑作品出自这个时期，《掷铁饼者》就是现存流传最广的艺术杰作之一，也是古希腊著名雕塑家米隆的代表作。这个作品是古希腊雕塑艺术的里程碑，显示出希腊雕刻艺术已经完全成熟。雕塑赞美了人体的美和运动所饱含的生命力，表现了作者高超的艺术技巧。虽然原作已经失传，但我们仍能从复制品中感受到那生命力爆发的强烈震撼，也是我们研究古希腊雕刻的重要资料。

《掷铁饼者》取材于希腊的现实生活中的体育竞技活动，刻划的是一名强健的男子在掷铁饼过程中最具有表现力的瞬间。雕塑选择的铁饼摆回到最高点、即将抛出的一刹那，有着强烈的“引而不发”的吸引力。虽然是一件静止的雕塑，但艺术家把握住了从一种状态转换到另一种状态的关键环节，达到了使观众心理上获得“运动感”的效果，成为后世艺术创作的典范。

掷铁饼的强烈动感与雕像的稳定感结合得非常好。雕像的重心落在右腿上，因此右腿成了使整个雕像身体自由屈伸和旋转的轴心，同时又保持了雕像的稳定性。掷铁饼者张开的双臂象一张拉满弦的弓，带动了身体的弯曲，呈现出不稳定状态，但高举的铁饼又把人体全部的运动统一了起来，使人们又体会到了暂时的平衡。整尊雕像充满了连贯的运动感和节奏感，突破了艺术上时间和空间的局限性，传递了运动的意念，把人体的和谐、健美和青春的力量表达得淋漓尽致。体现了古希腊的艺术家们不仅在艺术技巧上，同时也在艺术思想和表现力上有了一个质的飞跃。这尊雕像被认为是“空间中凝固的永恒”，直到今天仍然是代表体育运动的最佳标志。

 抱鹅的少年

这件作品出自希腊哈尔基顿的雕刻家波厄多斯之手，原作青铜，留存至今的这件是罗马复制品。波厄多斯擅长于风俗题材雕塑，成为当时专门雕刻儿童形象而闻名的艺术家。

波厄多斯生活在公元前3世纪，正是希腊化风俗性雕塑发展的时代，几乎触及到生活的各方面，从超凡脱俗的神性，开始表达最普遍的人性。特别重视真实地塑造人物形象，注重人的内在精神表现。从这个天真活泼的幼儿抱着有生命的鹅可见雕刻家对生活和人的理解，这是一组活灵活现的儿童生活雕像。雕刻技艺圆满、完美高超。

 门考拉夫妇立像

 《门考拉夫妇立像》，闪绿色粘板岩雕刻，高约142厘米，约创作于公元前2600年，现收藏于美国波士顿博物馆。

埃及古王国时期的帝王雕像作品，无论是坐像还是立像，都严格遵循着“正面律”的程式化造型。而《门考拉夫妇立像》也不例外。

这是埃及古王国第四王朝时期的一尊双人立像，也是当时帝王立像中最典型的代表。雕像刻划的是埃及古王国第四王朝第五个法老门考拉和他的王妃。国王夫妇并肩而立，两人身高几乎相等，左脚都向前迈出一步，但这种步伐只是模式化的，丝毫没有前进的意思。人物的重心落在两腿中间，给人以安定稳固的感觉。法老本人两臂垂直，双手握拳，表示他是埃及力量的中心；王妃则左手弯曲放在法老的左臂上，右臂围绕在法老的腰间，姿态僵直呆板。法老夫妇的头都微微向上仰起，神态拘谨而威严，冷若冰霜的表情中似乎还带有一丝微笑。这些人物表情和姿态都是古埃及帝王夫妇像的典型模式，体现了“王权神授”的威严。更值得注意的是，雕像对男女的身体作了不同的处理，反映出作者准确运用人体解剖结构的能力和对造型进行高度艺术概括的创作倾向。同时，王妃那薄而紧身的长衣，表现出女性柔软起伏的曲线和优美的体形，也体现了当时艺术家们高超的雕刻技巧。

思想者

青铜，198×129.5×134厘米，法国雕塑家奥古斯迪?罗丹创作于1880－1900年，现收藏于巴黎罗丹美术馆。

罗丹在设计《地狱之门》铜饰浮雕的总体构图时，花了很大的心血塑造了这一尊后来成为他个人艺术的里程碑的圆雕《思想者》，它是被预定放在未完成的《地狱之门》的门顶上的。后来独立出来，放大3倍。最初罗丹给这尊雕像命名为《诗人》，意在象征着但丁对于地狱中种种罪恶幽灵的思考。为了这个形象，罗丹倾注了巨大的艺术力量。

雕像《思想者》，塑造了一个强有力的劳动男子。这个巨人弯着腰，屈着膝，右手托着下颌，默视下面发生的悲剧。他那深沉的目光以及拳头触及嘴唇的姿态，表现出一种极度痛苦的心情。他渴望沉入“绝对”的冥想，努力把那强壮的身体抽缩、弯压成一团。他的肌肉非常紧张，不但在全神贯注地思考，而且沉浸在苦恼之中。他注视着下面所演的悲剧，他同情、爱惜人类，因而不能对那些犯罪的人下最后的判决，所以他怀着极其矛盾的心情，在那深刻的沉思中，体现了伟大诗人但丁内心的苦闷。这种苦闷的内心情感，通过对面部表情和四肢肌肉起伏的艺术处理，生动地表现出来，例如那突出的前额和眉弓，使双目凹陷，隐没在暗影之中，曾强了苦闷沉思的表情，有如那紧紧收屈的小腿肌腱和痉挛般弯曲的脚趾，有力地传达了这种痛苦的情感。这种表面沉静而隐藏于内的力量更加令人深思。

关于罗丹为什么要用这尊粗壮结实的裸体形象来创造《思想者》，并准备把它安放在他的大件浮雕门饰《地狱之门》的顶上，不妨用罗丹自己的几句话来解释，他说：“一个人的形象和姿态必然显露出他心中的情感，形体表达内在精神。对于懂得这样看法的人，裸体是最具有丰富意义的。”雕刻家在这件作品中，一方面采用了现实主义的精确手法，同时表达了与诗人但丁相一致的人文主义思想，他们对人类的苦难遭遇寄予了极大的同情和悲痛。