战国《人物龙凤帛画》

十五年前，吴冠中先生的一篇文章《笔墨等于零》引发了一场有关中国画笔墨的持久争论。近日，当代水墨人物画领军者之一的黄一瀚先生称：中国画笔墨中处于核心概念的线条，经过几千年的发展，已经穷尽其样式；而墨块，尤其是人物画中的泼墨则是一块尚未深入开垦的“处女地”，正可为当代水墨发展留下一个突破口。果真如此吗？且看业界专家们的深入辨析。

唐周昉《调琴啜茗图》（局部）

北京大学教授、著名美术评论家朱青生——

线条表达内在痕迹仍大有发展余地

当代水墨其实是一个很宽泛的概念，每个人都可以说自己要什么，不要什么。但从学理上讲，线条是艺术发展过程中间三大重要方向之一，因此，虽然传统的线条已经取得极高成就，现在仍然有极大的发展空间。

从艺术上讲，人类有三条道路来展现文化、文明的特性。第一个方向是形象，西方的艺术就是以表达形象和现象为主导的；第二个方向就是痕迹，其最高体现为线条；第三个方向为结构，为的是展示世界的本质，像伊斯兰文化中的窗格子，就具备很抽象的因素。一百多年来，中国的艺术因为受西方影响，以造型为主要追求。今天的当代水墨，希望通过某一条道路将艺术引向更高、更深的方向去拓展。无疑，用线条来揭示人的痕迹、踪迹是最为重要的方式之一，而且还有待提高。线条的纯粹化就是一种可能，因为当代艺术是自由的，不再有规定性。我的抽象作品就是以线条为主导，将线条单纯化。出于艺术市场的考量，有些人也将水墨作为一个概念来营销，那是另外的问题了。我所说的完全是学术意义上的。从这方面讲，色块其实也是线条之一种。人的移动就是一根线，线条就是想方设法把内在的痕迹表达出来，无论是一根细线还是一个块面，都是痕迹，就是你泼一片墨色，也仍然是表达痕迹。所谓痕迹，是相对于形象而言的，它不是对形象的复制，也不是想象而来的形象。当然，有的艺术家认为应该放弃线条，那是他的自主选择，无可厚非。就艺术家个体而言，必须有自己的独立主见，甚至是偏见，才能做出极其精彩的作品。

概括来说，我以为，首先，线条大有发展之余地；其次，中国历史上高明的水墨画，包括泼墨，可以看做是线条，因为它们本身都不是造型，而是表达一种心境和情性。我们为何认为八大山人、石涛的作品高？就在于他们全靠一笔之中的内涵来表情达意，而不是靠造型来表现个体精神。

艺术评论家、画家梁江——

人物画的线条没有穷尽之说

线条是中国画造型的最基本手段，除了是技术问题，是艺术语言的元素，更是一个文化问题。一小部分当代水墨画家，乐意采用泼墨并引入西方的色块和理念作为个体实验方向，无疑是可行的，并应该受到鼓励，但如果因此而想取消中国水墨中的线条地位，恐怕是对中国画的笔和墨理解得还不够，没有领悟到其中的真谛而产生了误读。

中国绘画跟西洋画的最大区别在于，中国画是用线条来造型的。这不仅影响了中国艺术的造型观念，也影响了艺术家的思维模式，对整个民族文化艺术理论的建立，也起到了非常大的作用。并不是说有些作品不用线条，线条就可有可无，很可能，线条无形而无所不形。像西方的安格尔，他将作品中的光影、明暗弱化了，轮廓线条突出了，其实也属于用线造型。中国画中，线条除了用于造型，还可以是心灵的符号，就像书法一样，不仅是文字表达，更是心性的抒发，这就上升到文化的高度了。

因此，从中国画的理论角度和艺术创造规律来看，线条永远不可能发展到穷尽。在不同艺术家手中，线条完全可以千变万化、各不相同。举个大家都认可的例子，中国传统笔墨到了清代末年，似乎已难以为继，当时的文化圈普遍认为中国画陈陈相因、走不下去了，只有学习西方才是唯一出路。但就是在这么强大的西化论调中，出现了一个黄宾虹，执意孤行，提出了“五笔七墨”说，开创了中国画笔墨发展的新篇，证明传统的框架仍然可以前行。而同时期的齐白石、潘天寿、李可染等人，也都在传统笔墨中融入了新的元素，使得中国画焕发出新的生命力。所以，线条的表现力完全是生生不息、难以穷尽的。

一般而言，画家对线条抱有质疑心态，往往出于两种情况：一是对线条的掌握已经达到了相当的高度，希望挣脱线条的束缚。对这些画家而言，无法乃为至法，他们的水平，令人敬重；另一种情况则是一些画家在线条锤炼上还没入门，掌握不够好，看到有的作品不需要线条，于是对线条的价值产生了怀疑。

至于“卡通一代”的艺术家们，他们作品的意义最主要呈现在艺术观念上，并非形式语言方面有颠覆性、革命性的创造。他们的作品，用的仍然是相对写实的方式。同时，他们的创作也是当代水墨多元探索中的一格，是百花园中的一朵，不能代表大部分当代水墨画家，更不能代表所有的当代水墨画家。

作为艺术家个体，从自己的创作体验出发，认为线条已经发展到极致，要另辟新路，自有其合理性。毕竟，艺术家越是张扬个性，越能引起人们的注意。但我们对艺术家的观点或惊人之论，必须放到特定的语境中去解读，切不可当做严丝密缝的理论。

广州美术学院教授、“卡通一代”创始人黄一瀚——

用线条表现人物易落窠臼

中国画的笔墨，分开来说，一是笔，一是墨，亦即线条和墨色。而线条自南朝谢赫提出“骨法用笔”之后，历经唐、宋、元、明、清，在中国绘画史上已经发展到极致了。因此，当代水墨画家再过多用线，局限性非常大，太容易像某个人了。而弃用线条，单纯靠墨色来处理画面，原创空间大得多，特别是人物画泼墨，突破的可能性更大。

一直以来，中国画的泼墨，基本只在花鸟画、山水画中呈现，像青藤、八大等古代大画家，都做得很好。而在人物画上，泼墨作品极少，历史上似乎只留下一张梁楷的《泼墨仙人图》。后来，是杨之光老师在这一方面探索、实践出了成绩。他借鉴西方的水彩和素描，在泼墨人体上取得巨大的成功。但跟线条比起来，依然留有很大的发展空间。因此，在当代水墨中，我以为从大泼墨入手，更有可能突破。当年，杨之光老师教导我：不用一根线来表现人物，这样更能达到水墨淋漓的效果，更符合中国画的特点，更能显出大气魄来。我也一直努力这样做，并取得了理想的效果。

事实上，宣纸本身就是为墨而制造的，大块面泼上去显得很有肌理，特别漂亮，能收到油画所不具备的效果，可谓是给中国水墨的发展留下了一个宝贵的契机。中国画的线条，历史实在太悠久了，可以说已经走到尽头，看看现在的水墨画家，所用的线条基本都大同小异，因此只能在造型和题材上做功夫。

而像当代艺术的刘子健、谷文达、张羽等艺术家，最后都转向了块面，田黎明的作品，则大面积引进色彩。实践证明，大泼墨的块面形式，确实很有发展空间。泼墨形式如果融入西洋画的处理和构成方式，在艺术语言上也可以更有特点，不会显得那么单一。像我的作品，在墨的运用上就大胆吸收了西方的光和色彩元素，呈现出广告色、卡通画等特点，使得作品既不失中国画的性质又更有西方味道。

有人认为，在当代水墨中，笔墨只是技术，没有谈论的必要。过去，我们不讲观念，只讲笔墨，确实有失偏颇。但没有笔墨哪来作品？在美术史上，艺术语言甚至比观念还重要，一百年以后，人们很可能不知道画家要表现的这个时代是什么样的，而有创造力的笔墨，则会作为财富流传下去。西方一部美术史，其实是写实派、印象派等的集合体，就是以艺术语言的变迁为线索串联起来的。国际展览上真正的好艺术家，也都是技术高超，不会随便乱涂乱抹，譬如日本的村上隆，他的作品就制作得很精美，一丝不苟。认为笔墨不重要，多半是年轻人的意气之言，可谓“年轻病”。我自己也是在经历了当代艺术三十年的洗礼之后，进一步认识到笔墨创新的伟大和重要。