Debra Barrera，Avalon， Courtesy of the artist。

首先，艺术生产面临的是一个审美标准遗失以及审美单一化的双重矛盾。当代艺术世界所塑造的看似多元化的局面实际上是一个幻象，所谓的多元化只是在现有审美标准的框架之内延续其审美准则，并未给予异于该审美标准之外的艺术品更多的空间。众所周知，美术馆作为艺术机构所塑造的是一种文化导向，而这种导向并不局限于满足并迎合资产阶级审美，它同时也成为了公众的审美标杆。通过对于极简空间（白立方）[5]的构建，将外界成功地与内部相隔绝，从而最大化的衬托出艺术品的遗世绝俗。在这种条件之下，可放置其中的家具自然是十分有限的，因为在一个当代艺术展览之中，除了艺术品本身之外的任何东西都有可能会成为一种审美难题。我不愿在此赘述自己究竟有多少次看到观众对着美术馆之中放置的湿温记录仪（Hygrothermograph）端详。（有意思的是，艺术家黛博拉·巴蕾拉（Debra Barrera）曾于2014年在休斯敦当代美术馆将湿温记录仪作为现成品雕塑展出来体现该展览所包含的“博物馆性质”。）而这种行为的背后事实上证明了杜尚小便池阐述的逻辑，艺术品之所以能成为艺术品取决于其是否在机构场域之内。当然，普罗大众对于艺术场所内所放置物品的迷惑，乃至调侃，则绝不仅限于公众对于艺术史等相关信息的认知缺失。艺术机构本应作为一种媒介去合理的引导观者思考艺术，但如今的大型机构所举办的展览几乎无一例外的是在堆积名作让观众感到离奇或敬畏，而不是去了解作品背后的文化内涵。如此一来，美术馆之中的大多数艺术品无可避免的被设计成一种单向文化交流模式的精英主义姿态。艺术家对自己作品的控制权并未在观众的凝视中分散抑或延伸，而是被机构直接剥夺。