吴山明作品

吴山明作品

（三） 众所周知，每一艺术品种对应着一款最佳的表现样式。于吴山明先生而言，运用宿墨、浅绛水彩乃至于洗笔的残墨杂色，挥洒一枝秃笔，在宣纸上一抒胸臆，已达心手相应之境。将这些技法移植到青瓷上，虽然经历了几许波折，几回寻觅，但也不算太大的障碍。在青瓷素胚上挥书作画，因其表面细腻，倒无滞笔之感。凭其扎实的功底，掂一枝或大或小的笔，醮适当的黑釉与彩釉，将胸中之形抒写于瓷胚，无论远看近观，仍如一幅水墨作品。神奇发生于入窑以后。经高温的焠炼，且朝着符合人们时代审美的宿墨方向蜕变，在出窑的瞬间幻化为独特的吴风样式的艺术品。 展览中，《水秀篇》内较有代表性的有《祝福》、《卓玛》、《初春》和《雪域丫头》等。这些作品的样式在青瓷中属于瓷盘或圆形瓷板，在传统绘画中称为纨扇或圆光。这些作品的题材源于吴山明先生的写生稿，或许出于偏爱，这些写生稿早已成为他的腹稿。取一青瓷端详，掂量尺寸造型更适合表现哪类题材，作出了选择，山明先生便在他脑海的图片库提取相应的物像，然后不徐不疾地写到青瓷器上。从孩童可爱呆萌的表情与少女俊俏的外貌判断，吴山明先生在创作时无疑注入了太多的情愫，这在文艺理论上可以称作创作的移情。 同理，《水秀篇》中的《祖孙》、《母子情》、《草原能人》和《祖师达摩》等，画家的重点更多在于表现同框中的不同肌理。祖父或奶奶的饱经风霜的脸庞，那皮肤的褶绉中蕴含着的人生艰辛，衬托着孙儿无邪的目光和稚嫩的脸蛋……还有那老皮袄，无一不形成强烈的视觉对比。《草原能人》和《祖师达摩》应属同一类作品，主题虽然有世俗与宗教之别，但描写的对象都是人，从着衣装饰到神态的刻画，表达的是人生的智慧和禅师的淡定。 《山青篇》中，吴山明更多地将作品绘制在青瓷的缸、罐、瓶、盂、洗之上。吴山明每每利用器型的不同，巧妙地将一幅幅人物或山水或花鸟表现在凹凸的或弧形的器物表面。这种将平面的绘画移植到立体的器物之上，需要作者兼顾观赏者在不同角度的视点，还要提前预见到烧制后的最终效果。好在山明先生有的是执着的艺术追求和强烈的创作激情，明净剔透的大量作品是其最好的诠释。 山明先生曾经说过，遍阅中国画百年以来的变革，要突破传统、风格与范式，必须向“西”学习，以“写生”融会原有的体系，而写生往往又为写实造型束缚，因此虽有“没骨法”辅之，然终究没有形成超越传统之大局面。因此山明先生重新回到“写”的境界，此时的“写”既是书写也是现代主义绘画的内心表现。他认为青瓷与绘画艺术合作成功的关键，是书画入瓷要拿捏准度。青瓷工艺大师与会画瓷的画家结合历史上比较少，青瓷的烧造，乃至绘画，一般都是由青瓷工艺家自己进行造型设计并烧造完成，这是由青瓷的艺术特性和文化内涵决定的。青瓷与青花、景泰蓝、五彩等不同，青瓷瓷质精美、釉色润泽如玉，在瓷器史上闻名中外并经久不衰恰恰是因为它的本色美，不适合画很多花样，过多的装饰可能会破坏这种美。将画家与陶艺家结合完全是个新课题。他认为在素雅的青瓷上加适量的绘画，在不破坏青瓷本色美的同时增添青瓷新的美感，增加青瓷美的丰富度。使国画和青瓷瓷器作为两大国宝，能够完美的结合，必将使中国青瓷在原有光辉的基础上添光溢彩。 正如清华大学美术学院张守智教授说的那样：吴山明先生作为中国当代画坛的领军人物，他对艺术的追求、对青瓷的发展有着深刻的思考和艰苦的探索实践，他的青瓷绘画线条洒脱优美、墨色酣畅淋漓，使中国传统水墨艺术的灵动、飘逸和古老青瓷艺术的内敛、凝重有机结合，正所谓：“水墨淋漓，瓷化为五彩斑斓”。这是青瓷发展史上的头一次，也是青瓷艺术的重大革新之举。