作者：REX LEE （李神琦）

人体工程学研究员

美国纽约百老汇制作人

毕业于伦敦政治经济学院金融与社会学专业

曾任职纽约苏富比拍卖公司管理部

 在台湾水墨画的发展历程中，周锡珽先生的艺术轨迹极具代表性——他以“入古”为起点，在传统笔墨中深耕十余年；以“禅修”为转折，在自然与精神世界中悟道；最终以“出古”为突破，融汇古今、贯通中西，形成兼具传统韵味与现代精神的独特风格。其艺术生涯的每一个阶段，都清晰地印记着对水墨艺术的执着探索，而风格的每一次演变，都彰显着他对艺术本质的更深层理解。

一、入古：深耕传统，以十余年仿古筑牢笔墨根基（1970年代起）

 周锡珽先生的艺术之路，始于对传统水墨画的敬畏与深耕。少年时期的他，因母亲任职于历史博物馆的契机，15岁便开启了与国画的缘分——不仅参加馆内晚间国画课程，更幸运地拜入范伯洪先生门下，正式踏上系统学画之路。从最基础的山水画法练起，他的天赋与勤奋很快得到范伯洪先生的认可，而老师给予的关键指引，便是“学仿古画”——唯有深入古人笔墨，方能理解中国绘画的渊源与美学精髓。

 此后十余年，周锡珽一头扎进传统绘画的世界，以“临摹”为匙，开启探索古人技法的大门。他并非泛泛而学，而是针对性地钻研历代名家的标志性技法：他研习沈周、巨然的“披麻皴”，体会这种技法表现山石纹理时的细腻与温润，让线条在笔下逐渐有了“呼吸感”；他临摹夏圭、马远、唐寅的“斧劈皴”，感受笔法的刚劲利落，领悟如何用短促有力的笔触展现山石的雄奇险峻；他学习李成、郭熙的“蟹爪树”，琢磨枝干的扭曲转折，让笔下的树木兼具苍劲与灵动。

 台北故宫成为他重要的“第二课堂”。在范伯洪先生的鼓励下，他常往返于故宫，面对唐宋元明清的历代名迹驻足观摩，甚至“背记诸家笔墨特长”——记黄公望的浅绛设色，记徐渭的泼墨豪情，记陈洪绶的高古线条。他不只是模仿字形画貌，更试图透过笔墨读懂古人的心境与精神：为何倪瓒的山水总是疏淡空灵？为何八大山人的鱼鸟总带着孤傲清冷？这种“以心观古”的学习方式，让他不仅掌握了扎实的笔墨技法，更触摸到了传统水墨画的文化内核。十余年的仿古经历，如同为他的艺术人生打下了坚实的“地基”，让他日后的风格创新有了扎根的土壤。

二、悟道：禅修启智，以自然观照打破仿古桎梏（1996年契机）

 1996年，一次前往缅甸的经历，成为周锡珽艺术生涯的重要转折点。在缅甸，他接触了原始佛法与禅修，这段看似与绘画无关的精神体验，却彻底重塑了他对艺术的认知，让他从“学古人之技”走向“悟古人之心”，也让他的创作从“模仿”转向“表达”。

禅修教会他的，首先是“观照”——以沉静、纯粹的视角观察自然，而非以功利的眼光“看”景物。以往临摹古画时，他关注的是“如何画山”“如何画树”；禅修后，他开始思考“山为何是这样”“树为何有这样的姿态”：他会观察清晨山林间云雾的流动，看光线穿过树叶时的明暗变化，感受不同季节草木的枯荣交替，甚至留意雨滴落在山石上的痕迹。这种对自然细微变化的体悟，让他意识到：绘画不应是对古人技法的复制，更不应是对物象的机械描摹，而应是对自然生命力的捕捉与传递。

 同时，佛法中的“空”“寂”理念，也让他对水墨画的“意境”有了全新理解。他开始反思：“学古人画作而无习古人之心”，终究只是“画匠”而非“艺术家”。艺术创作的核心，在于将文化精神与内在修养融入笔墨，而非堆砌技法。于是，他不再执着于画面的“繁复”与“形似”，转而追求“气的流动与生命力”——他希望自己的画能“呼吸”，能让观者感受到画面背后的精神力量。

 从缅甸归来后，他的画风开始悄然转变：原本严谨复刻古画的笔触，多了几分灵动与随性；原本遵循传统范式的构图，开始融入自己对自然的观察与感悟。比如画山水时，他不再严格按照“三远法”布局，而是根据自己记忆中山林的真实意境，用淡墨渲染远山的空灵，用浓墨点染近树的苍劲，让云雾在山石间自然“游走”，仿佛画面中有一股无形的“气”在流动。这种转变，打破了仿古带来的桎梏，让他的作品第一次有了“个人印记”——那是属于周锡珽的、与自然对话的笔墨语言。

三、出古：融汇古今，以中西合璧塑造个人风貌（风格成熟阶段）

 经过多年的尝试与突破，周锡珽先生终于走出了“仿古”的框架，在传统水墨与现代艺术、东方禅意与西方视觉之间找到平衡，形成了独树一帜的艺术风格。他的创作不再受限于单一维度，而是多方面融合，既扎根传统，又面向现代，既饱含东方哲思，又借鉴西方技巧。

1. 以自然为魂，捕捉瞬息万变的生命力

 “师法自然”成为他成熟风格的核心。他不再满足于表现自然的“静态之美”，而是致力于捕捉自然的“瞬息万变”——他会将光线与山石云树间产生的色彩、气韵融入画中，让晨光中的山林带着温暖的金黄，让雨后的山石透着湿润的墨色；他会表现温度与湿度对云雾的影响，让清晨的薄雾轻盈缥缈，让山间的浓雾厚重朦胧。为了让这种“动态感”更真实，他注重画面“力的延伸感”：比如画溪流，会让水流的线条向画外延伸，仿佛溪水能从纸上“流”出去；画云雾，会让墨色从浓到淡逐渐晕散，仿佛云雾能从画面中“飘”出来。这种对自然生命力的精准捕捉，让他的作品充满“现场感”，观者仿佛能身临其境，感受到山林间的风、雾、光、色。

2. 融西方技巧，丰富水墨的视觉层次

 周锡珽不拘泥于“传统水墨只能用墨、只能写意”的固有认知，大胆将西方视觉艺术的概念融入创作，为传统水墨注入现代活力。他借鉴西方绘画的“块面感”与“光影感”，通过多次重复的“叠擦”笔法——先以淡墨铺底，再用浓墨反复叠擦，让山石表面呈现出粗砾的质感，仿佛能触摸到岩石的纹理；同时，通过墨色的深浅对比，营造出山石的体积感与光影效果，打破了传统水墨“平面化”的局限。

 在空间表现上，他不再依赖传统的“留白”与“虚实”，而是通过云水雾气的层次变化，构建出远近分明的空间感——近景的树木墨色浓重、细节清晰，中景的山石墨色稍淡、轮廓朦胧，远景的云雾墨色清浅、几乎与纸融合，让画面有了“纵深”；在色彩运用上，他也突破“水墨以黑白为主”的传统，敢于用浅绛、青绿等色彩表现晨昏时序的变化，比如用暖橙色表现夕阳下的山林，用冷蓝色表现月夜中的云雾，让画面的“时序感”更鲜明。这种中西融合的尝试，既保留了水墨的韵味，又增强了作品的视觉冲击力，更符合现代观众的审美习惯。

3. 求禅意空灵，传递超脱的精神意境

 禅意，始终是周锡珽作品的“灵魂”。他的画作常常“洗尽尘嚣琐碎”——没有点景人物的打扰，没有亭台楼阁的繁杂，甚至连落款题字也刻意隐于画幅边侧，避免破坏画面的整体性。他希望观者能不受任何干扰，纯粹沉浸于山林本身，感受“山林与心境的相应”，体会“时间与大气在云雾光影色彩中的流动”。

 比如他的山水作品，画面中只有山、石、树、雾，却能让观者感受到一种静谧中的蓬勃——云雾在流动，是“活”的；树木在生长，是“有生命”的；山石沉默矗立，却透着“沉稳的力量”。这种“空灵”不是“空洞”，而是“洗尽铅华后的纯粹”；这种“静谧”不是“死寂”，而是“生命力的内敛”。观者在欣赏时，内心的浮躁会逐渐沉淀，仿佛能与画面中的山林、云雾产生精神共鸣，获得一种超脱世俗的安宁感。

 从“入古”时的深耕传统，到“悟道”时的禅修启智，再到“出古”时的融汇古今，周锡珽先生的艺术生涯，是一段不断突破自我、寻找艺术本质的旅程。他的风格演变，不仅是个人艺术成熟的见证，更展现了传统水墨画在当代的无限可能——它可以扎根传统而不僵化，借鉴西方而不迷失，传递禅意而不晦涩。如今，周锡珽的笔墨中，既有古人的风神，又有自然的生机，更有现代的精神，他用自己的创作证明：传统水墨从未过时，只要不断注入新的思考与感悟，便能在时代的浪潮中，始终散发着独特的艺术魅力。

作者简介：

李神琦（Rex Lee）是一位华裔美国演员、获奖剧作家与百老汇制作人，常驻纽约市。他本科毕业于芝加哥大学，主修历史与政治学，并于伦敦政治经济学院（LSE）获得金融与社会学硕士学位。

李神琦拥有横跨艺术、金融与公共事务领域的广泛经验，曾于国际顶级艺术拍卖行苏富比（Sotheby’s）任职，并在华盛顿特区担任企业说客，代表多家跨国公司进行政策游说。

他的表演生涯始于入围全美极具声望的 Jerry Herman Awards，这一经历点燃了他对舞台艺术的热情。其后，李神琦成为当年唯一入选的华裔男演员，受邀加入英国国家剧院（National Theatre Company of Great Britain），并展开国际巡演。他也曾参演美国国家级广告、影展短片，以及伦敦 Off-West End 的专业剧场演出，并受保加利亚文化部邀请，赴索菲亚国家剧院登台演出，展现其多语文化的舞台魅力。

舞台之外，李神琦在学术领域同样表现出色。他曾在全美历史竞赛（National History Bowl）及美国地理奥林匹克（U.S. Geography Olympiad）中取得佳绩，并入选美国国家队。他对全球事务、文化历史与地缘政治的深厚理解，持续为其剧作与表演注入思想深度与跨文化的叙事视角。

作为百老汇制作人，李神琦致力于搭建中美戏剧之间的桥梁——将美国戏剧引入中国，也让中国作品登上纽约舞台。他坚信戏剧能够穿越语言与国界，成为文化交流的窗口与心灵的共鸣。他的作品关注移民经验、身份认同与文化错位，通过艺术不断重塑“归属”的意义，推动亚洲叙事在全球剧场中的传播与再想象。