杨杰

伴随着现代信息网络科技的迅猛发展，全球一体化的进程日趋加速，这一方面便利了全人类的互通交流与共同发展，另一方面却使得原本独立且各具特色 的文化成果产生了快速混融与趋同，从而破坏了人类文明本应丰富多元的“生态”，呈现出全球一致性的文化解构化、碎片化、匀质化、拼贴杂存、扁平化的“弥 散”景观。由此，西方的现当代文化艺术首当其冲受到这种“弥散”趋势的影响，陷入后现代之后的发展前行困境；而中国作为新兴发展中国家，也在“弥散”中逐 渐失去对于自身传统文化艺术精髓的正确理解、辨析、继承与发展，中国画艺术的传承与发展便是其中的焦点之一。

以“水墨材料”和“毛笔书写”为鲜明特色的中国画是中国绘画艺术的典型代表，这种独特的东方艺术及其背后的哲学思想有着2000多年的悠久传 统，建构出一整套极为高妙复杂、博大精深的文化体系，具有相当丰富的未来学价值。因此，以“水墨”为形式特征的中国画，近年来已成为国际学术热点而备受关 注。但由于传统的断裂、传播的混乱、理论的曲解、文化的误读，目前关于中国画的认识与实践存在着诸多问题和误区，并且仅以“水墨”来简单指代和判断有着千 年传统积淀的中国画，未免过于肤浅和粗陋，也必然产生传承的偏差和错误。所以，作为东方艺术典范的中国画，其核心精神内涵和价值品评标准亟待正确地研究、 阐释与重申。

法国哲学家弗朗索瓦·于连在他的学术研究中，针对不同文化的共生与发展问题，提出了“间距”的理论主张，即：通过开发不同文化之间的“间距”探 索每一种文化之间隐而未见的优长，以便使它们更好地显现出来。不要让文化之间出现的“间距”消失，把“间距”视为资源，使它起作用，以便在中间地带生成全 新的结构与系统。所以，我以“间距”理论作为本次展览策划与构思的学术依据和基础，以中国画艺术独有的创作观和价值品评标准为实例和切入点，通过现场的展 览实验与文化比对(本展览与威尼斯其它当代艺术展的比对)，力求以当代展览方式呈现6位不同时代中国画艺术家的个案，深入分析、重新发掘与研究中国画的 “笔墨精神性”核心价值，并探讨作为东方文明典型代表的“水墨”对世界当代文化发展的启示和潜在意义。

所以，我分别以中文“气韵非师”和英文“ LEARN  FROM  MASTER ”作为本展览的主题，其中，中文“气韵非师”源于中国宋代 著名的书画鉴赏家和画史评论家郭若虚的经典画论，代表着对中国画最高评判标准的主张，即最优秀的作品与最优质的人性密不可分，最卓越的艺术创造是学不来 的；而英文“LEARN  FROM  MASTER”可以直译理解为：向大师学习与致敬。这两句语义各异的话共同组成了展览的题目，貌似相互矛盾，实则 是想探讨的一系列关键问题：为什么要向大师学习？向他们学习什么？什么是可以学的？什么是不可学又应该不懈追求的？中国画2000多年来的变与不变是什 么？中国画笔墨如何获得审美独立性？中国画笔墨的核心价值和品评标准是什么？中国画未来发展的可能是什么？中国画于世界文化艺术的未来价值与作用何在？

为此，我在展览中设计了分属于不同时代的6间书房，同时赋予每间“书房”一个符合历史情境的主题内容，在这样一个场域空间之中，观众可以通过自 身“在场”于每间“书房”中的直接经验，体味历史的变迁，获得时空穿越般的切身感受，从纵向的时空维度观看中国画的传承与开拓。同时更可感知与体悟中西不 同文化语境中“气韵非师”和“LEARN  FROM  MASTERS”的观念指涉，观众最终将发现中国画2000多年发展历程中的“变”与“不变” ——变的是不断演进发展的视觉笔墨语言方式，不变的是如史诗般延续至今，以“气韵非师”为最高艺术追求的人格精神理想——而这正是艺术家得以“对话”与 “交流”的基础，也是东方文脉史诗得以独立并良性发展的前提，更可能是中国画对世界文明的未来发展所做出的启示与贡献。