在文艺复兴时期，随着艺术家地位的提高，创造性开始由上帝让渡给艺术家。但此时“创造”这个词仍然不被用于形容艺术的创作。

从此时直到十八世纪，虽然随着艺术家地位的提升，这种实质上的创造性逐渐从上帝的领域让渡给了卓越的艺术家，但它却从来没有被当做艺术卓越性的评价标准，因为直到此时，艺术（以及蕴含于其中的美感）都被认为是具有客观的属性，而非主观的判断。[6]

歌德甚至曾贬斥这种包含于艺术作品中的主观倾向。他认为“一切处于倒退和瓦解之中的时代都是主观的，与此相反，一切前进上升的时代都有一种客观的倾向。……一切健康的努力都是由内心世界转向外在世界，……一切伟大的时代都是努力前进的，都是具有客观性质的。”

在他的观念中，艺术的题材不需要是原创的，而只需要符合于思想的传达，只需要运用恰当：“我的作品中的东西都是我自己的，至于它是来自于生活还是来 自于书本，这是无关紧要的，关键在于我是否运用得恰当。……我的梅菲斯特也唱了莎士比亚的一首歌。他为什么不应该唱？如果莎士比亚的歌很切题，说了应该说 的话，我为什么要费力来作另一首呢？我的《浮士德》的引子也有些像《旧约》中《约伯记》的引子，这也是很恰当的，因此我不应该受到谴责，而应该受到赞 扬。”[7]

从18世纪末的浪漫主义运动开始，创造性新奇性开始被作为衡量艺术的标准之一。从这一时期开始，大量新的题材和新的表现方式被补充进艺术的传统中。

对创造性/新奇性的真正转折点发生在十八世纪末。在这个世纪，诗歌、音乐和视觉艺术第一次被作为美的艺术而归为一类。[8]“创造性”这个词语被赋 予了人类艺术家。“艺术家不再受理性或规则的左右，而是任由感觉与情绪、直觉与想象来支配；他制造的新奇和独创的作品，在达到最高成就时他是一位天才。” [3]

此时，重要的不再是艺术中所包含的思想和价值，而是作品是如何被创造的：从题材到手法，几乎所有因素都在创造新/新奇性标准的辖制下。[9]在这个 时代所表现出来的倾向被称为“表现美学”，它将艺术家视为一个表现思想的主体，因而成为理解艺术中的主要对象，决定性的审美因素不再是作品所体现的事物， 而是体现的方式，是这种方式在多大程度上显露出创作者的个性。[10]

进入现代主义时期之后，以往浪漫主义中那种对新奇性的追求在改头换面之后，仍被继承了下来。在现代主义的话语中，艺术是具有反身性的实践：它所回应的对象并非艺术之外的现实，而就是在此之前的艺术传统。它针对这种传统进行批判和回应，并以此形成新的传统。