非营利艺术机构中的艺术家自营机构

说到非营利艺术机构，有时我们会进入一个思维误区。游离在主流艺术产业之外、独立团体和地下先锋、充满实验性和批判性、资金筹措艰苦和生存困难等等，这些有着英雄主义气息的词汇在讨论中，往往靶向于近年来在国内持续生长的各类艺术家自营机构，而并不专指宏观意义上的非营利艺术机构。从国际规范来看，非营利艺术机构是一种历史悠久的当代产业结构，它不以牟利为宗旨，各类收益（包括但不限于政府补贴、社会捐赠、参观门票、衍生品和配套商业等）不进行直接的利润分配，而是回流继续支撑机构的运转，机构资产由政府主管部门、董事会、基金会或者信托进行统一管理。以中国国情来看，除了由政府财政支持的公立博物馆、美术馆和艺术机构之外，自从1998年颁发的第251号国务院令所批准的《民办非企业单位登记管理暂行条例》也见证了国内民营艺术机构的发展起点。根据上述判断，不难理解，现存大多数的博物馆、美术馆和非商业艺术机构，无论何种规模和定位，都属于非营利艺术机构的法规范畴。而开篇我们所讨论的那些特质，则多为由艺术家群体自发成立，并通过各种方式来运作的自营机构（Artist Run Initiatives，简称ARIs）而具备。

最容易产生自营机构念头的艺术家和艺术管理者，多是刚从艺术院校毕业或者即将毕业的大学生们。充满激情的年纪加上饱含创造力的思维，使得经常聚在一起从事创作实践的小团体迸发出建立品牌、整合资源、自行策划、集体展示和共同推广的决策，从而诞生组织非营利艺术机构的意愿。和如今国内艺术教育界巨大的“年产量”和产业界快速的“造星”机制不一样，欧美国家的艺术类学生们并没有大把机会在学校期间就被知名导师推荐进入商业画廊，或是在毕业展上被策展人和商业画廊直接挑走，或是通过参加社会公开征集的方式去引起业界关注。对他们来说，毕业之后进入现实生活的方式，通常是由其他行业起步，以薪水支持创作成本，同时努力打通各种资源去参加展览，来维持专业的生存机会。这种过程常常耗时数年甚至数十年，所以，在同等境遇之下通过“抱团取暖”的方式而成立自营组织，有着存在的合理性。

这些自营机构给予了艺术家们幸福宽松的创作环境。在不以销售指数和收藏趋势而驱动的氛围下，艺术家能够在熟悉市场运作规律之前，拥有固定展览场地，进行“去除商业化”的实战演练，从而能够充分释放艺术天性，发挥自由独立的创造精神。而且，他们还能成功避免自毕业伊始，自己从象牙塔里带出来的锐利的创作观念和稳固的商业操作规律之间立刻发生任何正面冲突的可能性。但是，作为一种非营利的产业结构类型，艺术家自营机构的运营成本无法从任何商业渠道获取，一般只能通过自筹或者众筹、申请政府资助、鼓励社会捐赠等方式来维持运转。所以，在不具备成熟的文化管理、行政和财务管理规范的初始阶段，艺术家自营机构得以可持续发展的挑战也极其巨大。

欧美当代艺术运动中的艺术家自营机构

在欧美当代艺术运动中此起彼伏的艺术家自营机构，主要集中于上世纪美国70年代和英国的90年代。在美国纽约SOHO区，观念艺术家们迅速占据了闲置的仓库和阁楼空间而“自立家门”，初心是为了和商业艺术机构典型的“白盒子”模式对立。这一趋势逐渐成规模后，到80年代，由于里根总统的联邦艺术计划导致国家艺术基金（National Endowment for the Arts）大幅缩水，艺术家自营机构资金运作的重要来源即公共基金骤然削减，直接后果便是重创了独立艺术活动的发展。于是这些自营机构纷纷关张歇业或转型商业化另寻出路。1971年，美国第一代观念艺术家之一的艾伦·鲁帕斯伯格（Allen Ruppersberg）成立于洛杉矶日落大道7175号的“艾尔大饭店（Al’s Grant Hotel）”，用在七个饭店房间里实施一个月艺术项目的形式造就了艺术家自营机构的最短时效记录。