齐白石 蟠桃图

吴润霖举例说，当代字画中的戒尺画，这些很好的传统文化都没得到好的传承。“现在能把戒尺画好的人不多了。南派整个全军覆没，北派还好一些，有一个天津画派，目前还有些继承，但也已经不太全面了。为何我们往往以戒尺画为首，因为它的款格赏心悦目，后期的布衣画家都以画水墨为主，买张纸，买一点墨，自己研研墨就可以画，实现自己的艺术创作之梦。也正是因为有一大批人选择水墨画，所以把水墨画推到了历史的高峰。可以说，整个江苏的绘画史最起码占到了中国绘画史的半壁江山。”

在吴润霖看来，很少有画家能把诗、书、画、韵、形、气全结合在一起。真正中国画的艺术就体现在文化深度上，工艺、技巧只是一个侧面，主要是传达精神世界。他收藏了很多傅抱石的画作，对他的喜爱可见一斑。而聊到对傅老的喜爱，他又提到了另一位大家石涛，两位对画技的研磨创新，对作品精神内涵的追求，是真正吸引人的、需要传承下去的部分。

坚守工匠精神

细观吴润霖的院子，几乎继承了民国经典建筑的风貌。他表示，南京的建筑与绘画是相互结合的部分，那个时期，很多建筑设计者都有留学海外的经历，对国外典型的哥特式建筑、传统英国建筑、法国建筑特点都有足够的了解，回国后与中国的建筑思维相结合，像南京的总统府、南京军区总院、南京的中央美术院，是那一代设计者文化融合的完美产物，有着独特的绰绰风韵。

吴润霖告诉记者，近现代书画界出现了很多的大家，傅抱石、张大千、谢稚柳、吴冠中等大家的名声赫赫远播，其风格包罗万象不拘泥在传统的步调里，对精神的表达各有特色与风骨。他们的作品每每欣赏，依然能感受到作家创作时注入的灵魂，有传承、有创新，继承发展得更好。现在很多绘画因为继承得不够，只想去创新，所以会出现“四不象”。

20世纪80年代，张大千在北京时说，“中国当代画家只有两个半，一是吴湖帆，一是傅心畲，半个是谢稚柳。”当时的张大千已经是画坛公认的大师，而他对自己和所处的时代有着这样谦虚又严正的评价。绘画讲究手法与风格，最终的表达都遵从于画家的思想意境，才能形成百家争鸣的现象，促进绘画的大发展。有人评价，从文化和写意精神上讲，近代画家有三座大山，“一座是齐白石的花鸟，一座是黄宾虹的山水，一座是关良的人物。”从画法技艺上来说，三位皆是扎根于本民族传统体系，对大量传统笔墨的深刻理解，并融汇贯通了各家之长，而找到了自己最擅长的技艺表达，成就与争议并存，也在各自擅长的领域走得更深更远，从而成为了20世纪中国绘画艺术思路的先锋。

山水是中国画重要的展现形式，而人物实际上是比较缺乏的。所以傅抱石发明了点墨人物，发明了抱石皴，发明了1961年唯独有过的短线细点的画法。他的一生有三句话是座右铭——其命惟新、踪迹大画、我用我法。“傅抱石从一个传统的中国画家成为一位杰出的中国画家，包括像吴昌硕、齐白石的画都有可圈可点的地方。我收藏了齐白石的虫草画，很多人认为晚年的齐白石画不出这种画，实际上可以画出来，因为他长时间去磨炼自己，不管天气再冷再热，每天都画一张。”吴润霖对记者说。

谈到喜爱的绘画形式，他表示，绘画不应该受形式之累，比如张大千，早年一心仿古，仿石涛几可乱真，中年探敦煌，人物画仙逸绝尘，而现今最受收藏家欢迎的，还是他晚年的泼彩山水画。当年57岁的张大千见到75岁的毕加索，以其天马行空的艺术风格和在西方绘画的地位成就，绝不敢相信他还在为博大、丰盈自己如此兼收并蓄，不遗余力，也就理解了他画风多变而尽人皆知的原因。也许正是那次愉快的切磋，引发了张大千对自己艺术追求的创新，一番彻悟之后，张大千开启了他的游历之旅。越多的见闻与吸收，最终融泼彩于泼墨、勾皴法，色与墨相融相间，大放异彩，最终成就了雄奇瑰丽的新风貌。吴润霖总结说，“艺术家在艺术的殿堂里都在做一项工作，就是发现找到自己，然后发扬巩固自己，让所有艺术欣赏者都能懂，但可以懂得不一样，追求真、善、美的终至是一致的。”

中国很重要的和绘画艺术在同一时期共同发展的，是笔和纸的工艺。中国画讲究一墨三色，或者一墨五色。吴润霖还介绍说，齐白石的画和张大千的画一样，写意画和工笔画都用的是生宣，这个非常难得的。因为工笔用小细笔去画，在生宣上面染色特别快，能够抓得住、控制得好，这个难度极大，需要有技法、水平和能力相配套，当前放眼看过去中国在世的画家中，能这样画的人不超过十个人，因为这样画很难。过去的人讲究用笔、讲究用纸、讲究用色，跟现在不一样，有些人随便拿过来就用，十年之后就没用了，因为全是化学用品。目前很多优秀画家还在沿用老的方法，但是用老的方法的成本要高很多。有些人搜集一些老纸、老笔、老墨。像任重的画用的全是清代的墨块，朱砂也是清代的。

日本做墨的可以做到十一代，在社会上的地位很高，都称之为人间国宝。日本好的匠人被称为国宝，孩子想继承父母的财富，首先得继承技能，如果能把技能继承了，才可以继承父母的传承和尊重，并受到别人尊重。

吴润霖感叹道，“央视拍的纪录片《舌尖上的中国》《我在故宫修瓷器》，引人入胜，因为这种传统的正在消失和消亡。我们有一种把历史重新拾起来读的感觉。所以文化要发展，需要把原来的传统继承好，绘画也是如此。一个做墨的传承十一代，一个做笔的传承十二代，一个做纸的传承十代，现在买纸除非买贡宣以外，只有日本的宣纸是最好的，红茶最好的在英国，斯里兰卡人在种植，这曾经全都是中国的，我们现在不太重视手工业者。”

“在我的收藏当中，很多技法现在已经看不到了，但在原来老的古画中还存在，引人入胜，把传统的技法继承好了，再发展会更好。”吴润霖说，近现代出现了很多理论家，比如潘天寿、吴湖帆、谢稚柳，都属于巨匠，还有徐邦达，是萧平的老师。徐邦达又称徐半尺，所谓半尺是15厘米打开以后，假的都能看出来，就有这么高的水平。

不能做“千馆一面”

有一位领导曾经说过，不要做“千馆一面”，一千家博物馆看起来都是一个样子，这样就没意思了。吴润霖希望把艺术馆做得更精致一些，而且文化的发展是当前最需要做的，包括字画等延续和发展都非常重要。

有一位罗国玮老师，他的作品有很高的哲学性和思想性，有一幅作品是《愤怒的贝多芬》。吴润霖评价说，“好的艺术家都是用灵魂在工作，所以作品一定让人肃然起敬。比如张大千的人物画得传神，还有《千里江山图》。一个画家终其一生，像这种画画一张就足以让世人惊叹。王希孟一生就创作了一幅画，18岁进宫，22岁去世。潘天寿有一个学生叫吴冠中，还有林风眠。林风眠的作品是传神的，有很多西方的元素在里面，包括有西方水粉，人物非常传神。弘一大师的学生丰子恺，有两个时期，早期的是有脸画，后来就是无脸画，画的人物没有脸，但神态、状态、形态极佳。”

中国国内有很多收藏家，但像吴润霖这样了解中华传统文化，并能读懂收藏品、深入研究的并不算多。他最后说道，艺术收藏家都是艺术品的过客，如何把这个过客做好，是一直追求要学、要做、要传播的。好的艺术收藏既能养一身正气，也能使社会传播正能量。正是有这些想重拾中华传统文化的人，不断推动着中国艺术的发展，在某种意义上或许影响了未来中国艺术发展的方向。