在前不久复星艺术中心的草间弥生展上，刚参观完“无限镜室”的我，听见身后的工作人员这么说，于是我立刻转回身提出，能不能让我也进去？他回答说：“你可以排队等一下，下一轮你就可以进去了。”每一批观众在“无限镜室”逗留的时间是规定的一分半钟，但观众人数却没有特别规定。一分半钟之后，我又一次进入了“无限镜室”，和我一同进去的还有另一个姑娘。

第一次进入镜室，其实我是大为失望的，原本在宣传照片上看到的是一个折射了彩色灯光以至于无穷的空间，可是里面的空间只有不到20平米，而且一下子涌进了十几个参观者，空间愈加逼仄，铺满镜面的上下六合空间，被人影充塞，给我的第一感觉像是进入了一个拥挤的迪厅；形成巨大反差的是，这一次由于只有两个参观者，狭小的空间一下子变得非常大，镜面互相反射，将空间推至无限，灿烂的灯光忽大忽小，在深邃的背景之下幻化出一片璀璨的星空我想，这才是草间弥生想要创造的“无限宇宙”。

那么，如果“无限镜室”限制进入人数，会不会体验感更好？由此我想到了展览该“怎么看”的问题。

作为一名艺术爱好者，我对于当代艺术的理解完全是建立在一次次看展的积累之上的，当代艺术语言丰富，不设边界，多媒体作为现代的一个重要交流媒介，在当代艺术中也被充分运用，是我喜欢的艺术形式。

我印象深刻的多媒体展览，比如上海昊美术馆的开馆展“宣言”，艺术家朱利安·罗斯菲德用短片的形式来表现当代艺术中具有分量的若干宣言，而主角凯特·布兰切特扮演了葬礼主持人、女主播、朋克女、流浪汉、垃圾焚烧厂工人等 13 个截然不同的形象，这些形象和宣言本身就充满诗意，但影片又充满戏剧矛盾，将我们带入对当代艺术的反思之中，宣言和形象的反差或契合提供了我们多维的视角，呈现出宣言的坚固与脆弱，或者说，这个作品本身就是对当代艺术的一种文学描述，它富有创造力和黏合力，它可以跨越界线，同时又具有攻击性。

这个展览中还有一个让我印象深刻的点，在二楼展厅，观众可以躺在地上铺设的懒人沙发上看展，而展品—屏幕也被设置在靠近地面，与躺下来视线持平的高度，这一观展体验非常好，因为展品播放时间有点长，想躺下来是很自然的。能够考虑到观众的感受，才让人感觉到在多媒体展览和“人”之间，是存在某种温馨的熨帖的。

但是还有一些多媒体展览本身很有创意，却因为各种原因而变得鸡肋。比如之前teamLab的展览“油罐中的水粒子世界”，可能很多人在看展前期待的是一个沉浸式的互动体验展览，在光影流动中感受奇异水粒子世界，但实际进入展览的人们却觉得好像“看了十分钟PPT”。其实，teamLab是“技术控”：其主要亮点是投影在墙壁和地面上的流动图案（花朵、竹林、瀑布等），会随着人的移动而聚集或分开，在流动的影像和流动的行人之间建立起了联系。看展时，人的面部被光影重塑着，如幻如梦。但是，如果teamLab在进驻上海后，其定位转变为纯粹为了拍一张好看的照片作为噱头吸引观众去看展，就有本末倒置之嫌了。